One and one make five

The fly

2012-01-22T08:08:00.005+01:00

Vous êtes de plus en plus nombreux à lire les réjouissantes saillies de mon ami Mariaque sur Abordages et ce n'est que justice tant son style demeure inimitable. Sachant mon intérêt croissant pour le maître canadien (certains parleront à juste titre du zèle des néophytes), El Mariako m'a demandé une petite contribution pour son site. La voici, à peine modifiée :
Comme l’admet Stuart Cornfeld, le producteur de La mouche dans les suppléments de l’édition DVD, ce qu’il y a de fascinant dans le travail de Cronenberg sur ce film, c’est la façon dont progressivement, insensiblement, le protagoniste (le savant Seth Brundle) devient l’antagoniste (l’insecte destructeur), perturbant en profondeur les schémas narratifs habituels.
Dans la première adaptation de la nouvelle de George Langelaan par Kurt Neumann (1958), le savant était relégué au second plan et le spectateur devait se contenter du point de vue de sa femme, une parfaite femme d’intérieur, dépourvue d’aspérités. Et c’était très frustrant d’autant que les expériences menées par son scientifique de mari aboutissaient à un dédoublement guère convaincant (une grosse tête de mouche sur un corps d’homme et un visage d’homme greffé sur un corps d’insecte). En refusant la métamorphose (mais la censure ne l’aurait sans doute pas permise), le scénario se privait de tout potentiel anxiogène, potentiel que Cronenberg presque trente ans plus tard saurait formidablement exploiter.
Même si, à l’adolescence, le cinéaste canadien éprouvait beaucoup d’intérêt pour les invertébrés, on sent bien que ce qui le passionne ici, ce n’est pas l’insecte mais les mutations du corps de Seth, métaphore de toutes les dégénérescences (la maladie comme le vieillissement) mais aussi vecteurs de renaissance (Après sa téléportation, Seth voit sa force sexuelle décupler et la fatigue disparaître). Cronenberg traite avant tout de l’humain, de l’amour humain jusque dans ses aspects les plus angoissants (« m’aimeras-tu encore à l’état de larve ? ») et j’aime à voir dans l’acte final de Veronica comme un geste d’euthanasie pour mettre fin aux souffrances de son amant mutant.
Dans une scène qui fut coupée au montage, Seth s’acharnait à l’aide d’un tuyau en acier sur le fruit d’une expérience ratée, une créature hybride, mi-chat, mi-babouin. Stuar Cornfeld incita Cronenberg à retirer cette scène pour ne pas que le public ne se détourne définitivement du personnage de Seth. On peut regretter cette mutilation tant elle s’insérait parfaitement dans le projet de l’auteur de Faux semblants de dessiner une figure de scientifique dans la lignée du docteur Jekyll plus que de Louis Pasteur..
En l’état, le film demeure un époustouflant chef d’œuvre, défiant le bon goût (femmes enceintes s’abstenir), pour mieux saisir ce qui fait notre destin commun, ce combat perdu d’avance pour rester humain jusqu’au bout.

One more book for the road

2012-01-11T17:02:00.012+01:00

Dans cet hiver qui semble indéfiniment se dérober (les températures sont systématiquement au dessus de 10 degrès l'après-midi), je pense au livre de Sylvain Tesson, Dans les forêts de Sibérie et à son ermitage consenti de six mois sur les rives du Lac Baïkal. Là-bas, l'hiver ne fait pas encore semblant et c'est peut-être ce froid intense qui me manque aujourd'hui ( j'ai bien allumé la cheminée pour donner le change mais même le chat ne daigne pas venir se blottir comme à son habitude face au foyer). Comme le dit l'écrivain : "Le froid, le silence et la solitude sont des états qui se négocieront demain plus chers que l'or. Sur une Terre surpeuplée, surchauffée, bruyante,, une cabane forestière est l'eldorado." Sylvain Tesson réalise le fantasme de milliers d'occidentaux bercés tout jeunes par les récits de Jack London ou James Oliver Curwood: une cabane au fond des bois, sans électricité, sans contact possible ou presque avec le reste du monde (le plus proche voisin est à plus de 5 heures de marche). Pour moi, un pur fantasme, car je me sais bien incapable de tenir plus d'une demie-journée dans de telles conditions. On peut, cela dit, être aussi casanier que possible et se régaler des récits d'aventure les plus épiques. De la même façon, on peut apprécier sa connexion haut-débit, ses plaques à induction et passer des heures palpitantes en compagnie de ce livre ou d'Ermites dans la taïga de Vassili Peskov.
A la page 33 de Dans les forêts de Sibérie, Sylvain Tesson donne le détail de la caisse de livre (60 au total) qu'il a soigneusement préparée à Paris . Comme il le dit de belle manière, "les livres sont des icônes" et on contemple cette liste en pensant à celle que l'on réaliserait dans l'hypothèse, très improbable, d'une retraite de 6 mois à l'écart de toute civilisation. 6 mois de lecture sans être interrompu que par le chant des mésanges ou le bruit des glaces en pleine débâcle, c'est un rêve pour beaucoup d'entre nous. Si je devais faire une telle liste, j'éviterai, je pense, les ouvrages trop conceptuels (comme il le dit lui-même, "le temps est long quand on n'a que Hegel pour les après-midi de neige") et ceux, trop vite lus, qui me laisserait des remords. J'écrirai sur cette liste tous les livres que je me promet de lire durant l'été et qui, début septembre, sont toujours inviolés.
Alors, il y aurait quoi dans cette liste ?
Des biographies, bien sûr, des autobiographies, des journaux, des mémoires, mais aussi des romans, des essais :
- Sodome et Gomorrhe (Marcel Proust)
- Soixante-dix s'efface (Ernst Jünger)
- Tom Jones (Henry Fielding)
- Dalva (Jim Harrison)
- Les cantates de Bach (Gilles Cantagrel)
- Bel-ami (Guy de Maupassant)
- Correspondance (Flaubert)
- Splendeur et misères des Courtisanes (Balzac)
- Far from the madding crowd (Thomas Hardy)
- Ceux de 14 (Maurice Genevoix) (pour le relire)
- Cahiers (Cioran) (pour garder le moral)
- Mémoires (Talleyrand)
- Au dernier des romains (Denis Montebello)
- The human stain (Philip Roth)
- Les découvreurs (Daniel Boorstin)
- Louis XIV (Jean-Christian Petitfils)
- Guizot (Laurent Theis)
- Hitchcock (Patrick Mac Gilligan)
- Les Décombres (Lucien Rebatet) (une gorgée de poison)
- Le choix de Sophie (William Styron)
- Le moi des demoiselles (Philippe Lejeune)
- Pour Genevoix (Michel Bernard)
- Hilda (Anonyme)
- Frotti Frotta (Esparbec) (c'est long, six mois seul!)
- Vie et destin (Vassili Grossman)
- La disgrâce de Turgot (Edgar Faure)
- Careless love : the unmaking of Elvis Presley (Peter Guralnick)
- Le grand désenclavement du monde (Jean-Michel Sallman)
- Poachers : stories (Tom Franklin)
- At home in the world: a memoir (Joyce Maynard)
- Mets ton doigt où j'ai mon doigt (San Antonio)
- la carte et le territoire (Michel Houellebecq)
- Le voleur (Georges Darien)
- Le passé d'une illusion (François Furet)
- A change is gonna come (Craig Werner)
- Le nazi et le barbier (Edgar Hilsenrath)
- Journal en public (Maurice Nadeau)
- Hammerstein ou l'intransigeance : une histoire allemande (Hans-Magnus Enzensberger)
- Guerre et paix (Tolstoï)
- Les misérables (Victor Hugo)
- A rebours (Huysmans)
- From Russia with love (Ian Fleming)
- South (Ernest Shackleton)
- Battle cry of freedom (James McPherson)
- Before I Forget (James Mason)
- Dino (Nick Tosches) (pour le finir)
- Stalingrad (Anthony Beevor)
- Rebecca (Daphné du Maurier)
- Le Robert
- Le Harrap's

Eric Poupinel, c'est moi

2011-10-31T08:12:00.006+01:00

Déjà cité dans ces pages, Luc Blanvillain publie ces jours-ci son troisième roman en littérature jeunesse : Un amour de geek chez Plon. C'est un type de littérature qui me tombe habituellement des mains mais Luc parvient à se défaire de presque tous les pièges tendus par ce genre (pauvreté lexicale, irruption du fantastique, intrigues invraisemblable). Je lui reprochai juste au téléphone de n'avoir pu éviter une fin lénifiante mais il me fit remarquer que la littérature jeunesse était toujours sous le joug de la loi de 1949 qui interdisait les fins démoralisantes. Je ne serai guère plus sévère car Luc me fait l'amitié de me prendre comme modèle pour dessiner la figure d'Eric Poupinel, le père du héros, Thomas Poupinel. Physiquement très proche ("sa grande carcasse flanquée d'un début de bide"), il partage avec moi le goût pour le vinyle, les collectors et la musique pop de la fin des années 60 (même s'il y a peu de chance que je m'extasie devant un pressage original de Fresh Cream (Odessey and oracle m'aurait davantage convenu)). Le moment le plus savoureux pour moi, c'est lorsque Thomas demande à son père de cesser lui aussi de passer tout son temps libre sur Internet.
"- Vous arrêtez l'ordi, vous aussi. Papa, tu arrêtes de glander sur des sites de musique et d'envoyer des blagues pourries à tes potes, tu arrêtes ton blog que personne ne lit sur les groupes de filles des années soixante. [...] Mr Poupinel fut stupéfait. Il ouvrit une drôle de bouche, comme si ce n'était pas la sienne et qu'il ne savait pas bien s'en servir. - Comment ça, personne ne lit mon blog ? - J'ai regardé les statistiques. Tu as une visite par jour : toi. Et, des fois, ton pote Jocelyn."
Sur le moment, je crus entendre l'écho de la voix de mon propre fils. C'est dire comme le dernier livre de Luc Blanvillain sonne juste. N'attendez pas que Pascale Clark l'invite à nouveau pour apprécier son dernier opus.

Wouldn't it be nice

2011-10-26T18:15:00.010+02:00

Est-ce parce que je connais son histoire bien mieux que celle d'autres artistes mais les chansons de Brian Wilson m'ont toujours apparu plus tristes, plus désolées que les mélopées composées par tous les Will Oldham, Ian Curtis ou Mark Kozelek de la planète. Chez le génie d'Hawthorne, les mélodies sont souvent sur le mode majeur, les textes rarement trempés dans l'encre noire et pourtant il y règne une inadaptation au monde , une étrangeté qui colle littéralement le bourdon. Même lorsque les perspectives ouvertes par les textes chantés semblent radieuses, le timbre si particulier de Brian Wilson plonge l'auditeur ou du moins me plonge dans une mélancolie sans fond. Wouldn't it be nice en ouverture de Pet sounds est le parfait exemple d'un titre enclin à l'optimisme (ne s'agit-il pas d'un couple dans ses tous premiers moments ?), à la confiance dans l'avenir mais qui délivre au final une impression d'Eden inaccessible ou plus sûrement d'illusions destinées à se briser sur une amère réalité. Michael Moore ne s'y est d'ailleurs pas trompé en utilisant ce morceau dans Roger & I. Dans ce film consacré à la déconfiture du rêve américain, on voyait des ouvriers de l'industrie automobile regretter le temps béni de leur jeunesse et du plein emploi . Les soudeurs, les ajusteurs de General Motors, désormais au rancart, se rappellaient leurs Trente glorieuses en sifflotant les premières mesures de Wouldn't it be nice et l'effet était poignant.
N'est-il pas aussi significatif que Brian ait choisi comme titre de son autobiographie cette même chanson. Alors bien sûr, on pourra objecter que le leader des Beach Boys était à l'époque du livre sous la coupe réglée de son gourou psychanalyste, Eugène Landy et que même si son nom est en grand sur la couverture, sa participation a du se limiter à des cassettes enregistrées. Enfin, intituler cette histoire de violences familiales, de frustration en tous genre et de diverses névroses Wouldn't it be nice est tout sauf un hasard. Le bonheur chez Brian Wilson est toujours pour demain (We'll leave each other never chante-t-il à sa femme Marylin Wilson dans Let's put our hearts together alors que le couple vit ses derniers moments), toujours au conditionnel, toujours inaccessible :
Still I dream of it
Of that happy day
When I can say I've fallen in love
And it haunts me so
Like a dream that's Somehow linked to all the stars above

Super 8

2011-10-07T13:27:00.003+02:00

La puissance mais aussi l'implacable vérité du super 8. Puissance du temps retrouvé sans bruits parasites, sans sons superflus. Vérité d'alors saisie par mon père à Bonneval sur Arc durant les vacances de février 1980. On y reconnaît les contours d'une fratrie, la mienne. Le plus à l'aise assurément, c'est Vincent sans bonnet ni bâtons, en fuseau et assurant sans dommage ses arrêts stem (17 à 22 secondes). Guillaume est moins à son affaire que Vincent mais il a le bénéfice de l'âge (de 39 à 47 secondes). J'arrive après Vincent avec un consternant bonnet doté de pompon et avec autant d'aisance qu'une pintade sur la banquise. Implacable, disais-je !

Unsung hero

2011-09-11T07:14:00.012+02:00

On oublie souvent le rôle crucial qu'a joué le DJ Dewey Phillips (sans lien de parenté avec le boss de Sun records) dans la genèse du mythe Elvis. Phillips animait les soirées de la radio WHBQ à memphis et s'attirait un large public avec son débit délirant et surtout une oreille très sûre pour détecter les nouveaux talents du Tennessee (Memphis constituant à l'époque un vivier particulièrement riche). Mais là où résidait sa profonde originalité, c'est qu'il enchaînait dans sa programmation du rythm'n'blues, de la country et du boogie-woogie. Dewey Phillips n'avait aucune œillère ethnique. Hank Williams pouvait parfaitement côtoyer Sister Rosetta Tharpe, ce qui à l'époque n'allait pas de soi. Si Elvis le 4 juillet 1954 dans les studios de Sun records entame une jam sur That's all right d'Arthur "big boy" Crudup, on peut être sûr que le môme d'Alabama l'avait entendu la première fois sur Red, Hot and blue, le show de Dewey Phillips. Il était donc tout naturel qu'il fusse le premier à diffuser l'acetate comprenant un seul morceau enregistré, That's All right mama. Dewey fut tellement emballé qu'il diffusa le single 11 fois dans son émission dont 7 fois de suite. Dans la foulée, il voulut interviewer le jeune prodige mais celui-ci craignant que la diffusion fut un flop, était parti se réfugier au cinéma. Vernon et Gladys durent ratisser les allées du théâtre pour retrouver leur fils et le rapatrier vers les studios de WHBQ. Elvis n'en menait pas large face à Daddy O' Dewey et ses réponses allèrent rarement au delà du hochement de tête mais il donna toutefois l'information cruciale qui allait permettre la réalisation du plan de Sam Phillips. En indiquant qu'il avait fréquenté la "Humes high school", il leva définitivement l’ambiguïté sur ses origines, ce que sa voix seule ne rendait pas possible. Le sud et partant l'Amérique avait enfin trouvé le passeur susceptible de transformer la sensibilité musicale de toute une génération. Je préfère et de loin cette image à celle de pillard dont on l'a parfois affublé.
Ce passage, cette rupture, je l'entends au plus profond au début du deuxième couplet de That's all right. Avec une incroyable urgence dans la voix, Elvis chante "I'm leavin' town tomorrow, I'm leavin' town for sure" ouvrant ainsi une boîte qui n'allait jamais se refermer.
Dewey, lui, qui avait accompagné depuis 1949 la naissance du rock'n'roll, ne survivrait pas à sa consécration. Incapable de s'adapter à l'établissement de normes strictes en matière de diffusion de hits, il perdit son émission en 1958 et déclina dans des shows au prestige de plus en plus mince. L'abus d'amphétamines et d'antalgiques provoqua une crise cardiaque fatale en 1968. Il n'avait que 42 ans, exactement l'âge du King en 1977.
Arthur "big boy " Crudup : That's all right
Elvis Presley : That's all right

Barbara, c'est elle

2011-08-25T08:17:00.009+02:00

Parions que Barbara McNair n'aurait jamais accepté de se faire tatouer un dauphin dans le bas du dos. Même en octobre 1968, lorsqu'elle posa nue pour le magazine Playboy, elle le fit sans l'ombre d'un regard salace, avec une classe folle.

Sa beauté (un congrès de pontes en cosmétologie la classa dans les dix plus belles femmes de 1969, ce qui pour une afro-américaine était une première) n'est pas sans évoquer celle de Tippi Hedren mais en plus souriante. Son port patricien la rapprocherait plutôt de Dionne Warwick avec qui elle entretenait aussi quelque parenté vocale. A la différence de la majorité des Motown Girls (que ce soit Diana Ross, Martha Reeves ou Gladys Horton), Barbara avait déjà une carrière derrière elle lorsqu'elle fut approchée par Berry Gordy. Elle était une silhouette appréciée des téléspectateurs et avait enregistré quelques faces pour le label Coral . Le boss de Motown avait pour elle une ambition très précise. Il voulait s'en servir comme cheval de Troie pour pénétrer le marché de la grande variété américaine (ce que les Américains appellent parfois superclub music), ce marché où régnaient en maître Johnny Mathis et Harry Belafonte. Ça n'avait pas marché avec le crooner Billy Eckstine et ça ne marcherait hélas pas davantage avec Barbara. Ce n'est pourtant pas faute d'avoir insisté (pas moins de 5 singles entre 1965 et 1968). Rien n'y fit. Ni la crème des producteurs-arrangeurs appelés à son chevet, ni la qualité du répertoire qu'on lui fit chanter (le meilleur HDH, du Bacharach) ne lui permirent de décrocher la proverbiale timbale (son dernier single, le seul à être classé, ne put aller au delà de la cent-vingt-cinquième place). Ses fans (et j'en suis assurément un) aiment à penser que Motown a raté le coche durant l'été 1967 en annulant mystérieusement et au dernier moment la sortie de son single Steal away tonight. Cette chanson avait en effet tout pour elle : la suavité de la voix de Barbara, la sophistication du propos, un sublime changement d'accord avant le refrain et une orchestration très "Barry-Bond". Mais disons qu'en juillet 1967, alors que l'est de Detroit connaissait des émeutes d'une violence inouïe, le glamour de la sublime diva n'était sans doute pas la réponse musicale la plus adéquate. Aujourd'hui, la réédition formidable de son intégrale Motown (tout tient en deux cds) nous permet de savourer toute la chaleureuse majesté de son timbre (ah, son incroyable ralentissement du single des Supremes, My world is empty without you!) et ce léger voile qui lui donne un cachet fantastique.

Motown 50

2011-08-21T14:58:00.026+02:00

" Let's get straight to it... Before Motown it really was a case of 'blacks in the back' " Iggy Pop

Rien de moins simple que de justifier l'évidence. Comment, par exemple, démontrer l'indéniable supériorité du label Tamla Motown sur la concurrence pop américaine sans se contenter des qualificatifs réglementaires ?
Dire que Berry Gordy le fondateur de cette maison de disques fut le premier homme d'affaires noir à conjuguer réussite artistique et solidité économique n'est évidemment pas suffisant. Arguer que Motown fut le premier label à faire pénétrer le Rythm and blues (et ce, au moyen d'artistes très majoritairement afro-américains) dans les foyers de la middle class d'outre-Atlantique permet une première incise mais trop exclusivement historique pour expliquer la pérennité d'une collection de hits absolument sans précédent dans toute l'histoire de la musique populaire (Beatles, Abba et Queen et tous leur n°1 largement enfoncés).
Non, le moins compliqué serait sans doute de fournir au lecteur de ce blog une liste de 50 titres capables d'illustrer l'inlassable fécondité des talents liés au label et leur incroyable diversité (ce dont Stax, préféré par beaucoup de gardiens de chapelle, ne peut se targuer).
Le très bon mensuel Mojo fut sur sur le coup dès 2009 (dans son formidable numéro 183 fêtant le demi-siècle du label) en proposant un top 100 fort alléchant. Universal ne fut pas en reste avec un triple CD fondé sur un vote électronique mais qui, selon moi fait la part trop belle à Bambi et à ses frères. Je relève aujourd'hui le défi à ma façon en vous proposant 50 titres (pas nécessairement des hits) mixant le justement fameux et le négligé à tort afin de satisfaire à la fois le grand débutant et l' amateur confirmé. Je me suis fixé deux bornes chronologiques plus restrictives que celles de l'existence du label (1959 -1999 (cession de Motown au groupe Universal)) : 1961 (premier numéro 1 pour les Marvelettes et Please mr Postman) pour le début et 1972 (abandon de Detroit pour Los Angeles) pour la fin (il y aura de grands titres après mais sans plus rien à voir avec le Motown sound).
Grâce à Spotify, le plus Motown-friendly des sites de streaming, tous les morceaux proposés seront en écoute immédiate. .
Il n' y a pas vraiment de classement de préférence sauf pour les dix premiers, inscrits en lettres d'or au panthéon de la musique populaire du vingtième siècle.

1. Reach out I'll be there (1966, The Four Tops)
2. My world is empty without you (1965, The Supremes)
3. Dancing in the street (1964, Martha and the Vandellas)
4. I heard it through the Grapevine (1968, Marvin Gaye)
5. Can I get a witness (1963, Marvin Gaye)
6. This old heart of mine (is weak for you) (1966, The Isley Brothers) , également enthousiasmant dans la version de Tammi Terrell (1968) et des Supremes (1968)
7. I hear a symphony (1965, The Supremes)
8. Loving you is sweeter than ever (1966, The Four Tops)
9. I know I'm losing you (1966, The Temptations)
10. Whats' going on (1971, Marvin Gaye)
11. Destination anywhere (1968, The Marvelettes)
12. A bird in the hand (worth two in the bush) (1965, The Velvelettes)
13. It takes two (1966, Marvin Gaye and Kim Weston)
14. You're all I need to get by (1966, Marvin Gaye and Tammi Terrell)
15. I want to go back there again (1967, Chris Clark)
16. Bernadette (1967, The Four tops)
17. You keep me hanging on (1966, The Supremes)
18. Ain't that peculiar (1965, Marvin Gaye)
19. Papa was a rolling stone (1972, The Temptations)
20. I was made to love her (1967, Stevie Wonder)
21. There's a ghost in my house (1967, Roger Dean Taylor)
22. Twenty five miles (1969, Edwin Starr)
23. Stop, in the name of love (1965, the Supremes)
24. I'll keep on holding on (1965, The Marvelettes)
25. Helpless (1966, Kim Weston)
26. I wanna be where you are (1972, Michael Jackson)
27. Going to a go-go (1965, The Miracles)
28. My whole world ended (the moment you left me) (1969, David Ruffin)
29. Please Mr Postman (1961, the Marvelettes)
30. Uptight (1965, Stevie Wonder)
31. All your love (196?, Brenda Holloway) (un titre magnifique mais obscur d'une grande artiste considérablement sous-utilisée durant sa période Motown)
32. One more heartache (1966, Marvin Gaye)
33. Get ready (1970, Rare earth)
34. I wish it would rain (1967, The Temptations)
35. Heaven must have sent you (1966, The Elgins)
36. I'll turn to stone (1967, The Four Tops)
37 . Forever (1963, the Marvelettes)
38. Nathan Jones (1971, the Supremes) (Jean Terrell a remplacé Diana Ross au lead vocal)
39. It's a shame (1970, The Spinners)
40. Bless you (1971, Martha Reeves and the Vandellas)
41. When I feel the need (1967, Marvin Gaye) (Je ne comprendrai jamais pourquoi ce sublime titre n'a jamais franchi la barrière du quality control permettant une sortie en single)
42. War (1970, Edwin Starr)
43. Standing in the shadow of love (1966, the Four tops)
44. Love's gone bad (1966, Chris Clark)
45. I'm livin in shame (1969, the Supremes)
46. The tracks of my tears (1965, the Miracles)
47. Pretty little baby (1965, Marvin Gaye)
48. Got to have you back (1967, The Isley Brothers)
49. Sorry is a sorry word (1970, Ivy Joe Hunter)
50. Nowhere to run (1965, Martha and the Vandellas)

Choix injuste, bien sûr, et éminemment partial qui appellera, c'est certain, de nécessaires inflexions. Vos remarques et vos top 5, 10, 50 personnels sont plus que les bienvenus.
Ain't no place like Motown (The Velvelettes)
P.S : Les fans se régalent chaque jour de la lecture du plus hardcore des blogs consacrés à motown : Motown Junkies. Un rêve devenu réalité !
P.S2 : pour ceux qui préfèrent directement aller sur la Playlist Spotify, c'est là

Still loving Ally

2011-07-30T10:12:00.018+02:00

Aurai-je jeté un oeil à Twice in a lifetime (Bud Yorkin, 1985) sans la présence d'Ally Sheedy au générique ? Probablement pas. Et j'aurai eu tort car le film mérite mieux que l'oubli quasi total dans lequel il est tombé (il n'existe à ce jour aucune édition en zone 2).
Harry MacKenzie (Gene Hackman) est un ouvrier dans la sidérurgie qui mène une vie rangée dans la banlieue de Seattle auprès de sa femme (Ellen Burstyn) et de ses trois grands enfants (Chris(Kevin Bleyer); Sunny(Amy Madigan) et Helen(Ally)) lorsque, le soir de ses cinquante ans, il fait une rencontre (Ann Margret) qui va tout bouleverser. Ni la Midlife crisis, ni la rupture et ses conséquences ne sont des thèmes bien nouveaux mais le traitement ici proposé mérite qu'on s'y attarde quelques instants. N'ayant pu obtenir l'aide des Studios, Bud Yorkin a produit lui-même ce film avec l'aide de sa compagnie, Tandem Productions. C'est sans doute ce financement indépendant qui explique la relative liberté de ton (enfin un film sans repentir ni réconciliation générale sur le générique de fin) et surtout (pour moi le plus précieux) l'absence de jugement moral du film. Bud Yorkin ne revêt pas la robe noire du procureur et donne aux personnages suffisamment d'épaisseur humaine pour qu'on puisse entrer en empathie avec chacun (Sunny(Amy Madigan) exceptée car trop d'une pièce). Un des autres intérêts de Twice in a lifetime est de nous offrir un aperçu plein de justesse de la low middle class , cette classe sociale qui n'apparait jamais dans les films français (on n'a souvent le choix qu'entre des parvenus en 4x4, des bobos qui se partagent des lofts dans le XIIe ou des chômeurs en fin de droit) ou alors atrocement défigurée (la série des Camping, D.I.S.C.O). Les séquences à l'usine, au pub, devant la télé (The price is right), au stade des Seahawks (le club de football américain de Seattle) et même dans la salle de bingo permettent de mieux comprendre le fonctionnement de la famille Mackenzie et partant des deux tiers des familles américaines. On pense parfois à Steel magnolias (1989) mais sans la touche sudiste ni le drame.
Pour valider cette justesse dans l'observation du quotidien, il faut de bons acteurs et le moins que l'on puisse dire, c'est que Bud Yorkin a fait mouche dans son casting(je mets à part une nouvelle fois Amy Madigan mais qui a pour elle de partager une ressemblance physique étonnante avec Ally). Les supporting actors sont du tonnerre (avec une mention particulière pour Brian Dennehy, acteur que je ne cesse de réévaluer depuis mon visionnement de Ten) et Gene Hackman est tellement vrai, tellement facile que c'en est gênant pour la concurrence. Il suffit par exemple de voir son auriculaire titiller son alliance pour comprendre le trouble qui le saisit avant de s'embarquer pour l'inconnu.

Et puis, bien sûr, il y a Ally, 8 mois simplement après le tournage du Breakfast club qui avait fait d'elle une demie-star (3 films rien que pour 1985, le troisième étant le très dispensable St Elmo's fire). Son rôle dans Twice in a lifetime est loin d'être le plus fouillé du film mais elle parvient à donner une rare intensité à quasiment chacune de ses interventions avec ce petit quelque chose de buté dans le regard qui n'est qu'à elle. La plus bouleversante de ces apparitions est lorsque Harry décide de quitter le domicile familial pour installer s'installer avec Audrey (Ann Margret) à Seattle. Harry balaie du regard pour la dernière fois la famille rassemblée dans la salle commune. L'ambiance est pesante et un panoramique balaie les regards de chacun des enfants et des gendres. Tout le monde à la gorge trop serrée pour parler. Helen (qui comprend à défaut d'approuver le choix de son père) se lève, s'approche d'Harry, ferme les yeux en signe de douleur, de paix mais aussi de profonde affection.

A moins d'être animé du plus parfait cynisme, je vous mets au défi de n'être pas secoué de sanglots spasmodiques sur votre canapé. Même succinctement, Ally confirmait ici cet incroyable potentiel auquel Hollywood hélas demeura presque totalement aveugle.

Help the aged

2011-07-16T10:01:00.003+02:00

*attention spoilers*
Il y a dans le deuxième épisode de Misfits une séquence étonnante qui, à elle seule, suffit à justifier l'engouement pour cette série britannique originale. Nathan, le héros de la série, est un petit délinquant effectuant des travaux d'intérêt général en compagnie de quelques zozos de son acabit. La foudre les surprend et confère à chacun d'eux un super pouvoir (ce que chacun découvre dans l'épisode initial à l'exception de Nathan). Dans le second épisode, Nathan et ses "collègues" sont chargés d'égayer le thé dansant de pensionnaires d'une maison de retraite. Nathan fricote avec l'une des employées de cet établissement et se retrouve, après quelques péripéties dans son lit. Jusque-là, rien que de très banal. Mais cette jeune employée, au demeurant fort jolie, a elle aussi connu les affres de la foudre et s'avère en fait une sympathique octogénaire à qui l'orage a permis de renouer par intermittences avec ses jeunes années. En plein transport, Nathan découvre qu'il est chevauché non par une affriolante blondinette mais une femme d'un âge respectable. Cette image, même si elle apparaît très furtivement, d'une octogénaire se livrant à des ébats est suffisamment exceptionnelle pour attirer toute notre attention. La nudité et la sexualité des vieux est l'un des derniers tabous de notre société et qu'une série, à priori destinée à un public d’adolescents et de jeunes adultes s'y colle (même brièvement) m'a semblé relativement audacieux. De plus, et la photo l'atteste, il ne s'agit pas de plans cachant avec tact les ravages de l'âge (ce n'est ni Charlotte Rampling dans Vers le sud ni Bulle Ogier dans Les petits ruisseaux). Non, les plis, les rides sautent au visage et, Nathan lui-même, face à cette vision pour le moins surprenante, préfère abandonner la partie et aller se cacher dans les toilettes. Me vint alors à l'esprit les mots de Houellebecq s'insurgeant dans La possibilité d'une île contre le cinéma de Larry Clark et sa société de "kids définitifs". "Dans le monde moderne, on pouvait être échangiste, bi, trans, zoophile, SM, mais il était interdit d'être vieux". Ce qu'il y a de beau dans cette scène, c'est la vision d'un désir féminin qui va au delà de la date limite que le cinéma ou la télévision lui assigne d'habitude. Cette femme, en plein syndrome de Jocaste, profite du super pouvoir (et quel super pouvoir !) qui lui a été octroyé pour séduire un "beau gosse" qu'elle imagine plein d'ardeur (elle sera d'ailleurs légèrement déçue sur ce point) et jouir à nouveau. Cette revendication et sa représentation font passer un vrai souffle émancipateur dans le cadre formaté des séries télévisées. Alors, bien sûr, à la fin de l'épisode, la volcanique panthère grise aura retrouvé son fauteuil et ses pantoufles et Nathan, rassuré, pourra lui passer une main bienveillante dans les cheveux. Mais avant que tout ne rentre dans l'ordre, un trouble, un frisson sera passé qu'on est pas près d'oublier.

John Grant

2011-06-25T07:53:00.010+02:00

On devrait toujours écouter ses amis mais on fait le fier pensant tracer son sillon seul, sans l'aide des copains. Et c'est évidemment un grand tort ! En juin 2008, The man formerly known as Coolbeans dans son fort regretté blog A tombouctou sans mariachis nous entretenait de l'urgence qu'il y avait à ne pas passer outre The Czars et la poignée d'albums séminaux qu'ils produisirent au cours de la décennie précédente, c'est-à-dire il y a un siècle. Mais voilà, obnubilé par nos marottes d'hier ( Vous avez dit Franky& Marvin?), nous nous étions refusés à écouter la vérité qui venait d'Argenteuil : The Czars étaient peut-être le groupe le plus à même de nous réconcilier avec notre époque. La raison ? John Grant, un nom qui sonne comme un président, une voix qui résonne comme personne. Même si il n'abuse pas des possibilités inouïes de cet organe (c'est justement ce qu'on aime chez lui, le refus de l'étalage, la puissance contenue), l'étendue des registres impressionne et fait la différence, toute la différence avec la concurrence pépiant dans le marigot indé. C'est fondamentalement un baryton mais sa voix de tête d'une douceur presque irréelle (le début de goodbye) lui permet d'atteindre des notes très hautes sans que la justesse en pâtisse.
Ce qui fascine hautement chez lui, et qui n'est pas ce que nous chérissons le moins, c'est cette capacité à dompter une incroyable versatilité (il s'est attaqué au great american songbook sur Sorry if I made you cry après avoir flirté avec le shoegazing, le prog (la flûte finale d'I wanna go to Marz toute droite sortie de Nursery Crime) et avoué son admiration pour la soft pop d'Abba et des Carpenters (influence décelable au détour de Where the dreams go to die et Sigourney Weaver) pour créer une œuvre intensément personnelle. Rendons grâce aux membres de Midlake d'avoir su s'adapter au génie parfois ombrageux de Grant qui lui fit connaître des moments compliqués avec les Czars. Son disque solo (camouflé en Queen of Denmark) fut à juste titre salué comme un classique instantané par le magazine Mojo et les Inrockuptibles furent bien inspirés en parlant de lui comme l'un des plus grands songwriters américains actuels. Pourrait-on juste leur suggérer d'arrêter leurs petites piques à deux balles sur les effets supposés de l'influence d'A-ha sur les productions futures de l'ex-czar (ce dernier avouant et cela me touche beaucoup avoir beaucoup appris des norvégiens ces derniers temps!) ? Avec un esprit moins borné, ils auraient pu constater à quel point Morten et John partageaient la même capacité à libérer l'auditeur de ses attaches terrestres.
The Czars : Drug

Portrait du pompiste en vieux chien errant

2011-06-09T17:41:00.002+02:00

Aux Editions D'ores et déjà vient de paraître un recueil de poèmes de mon ami Alain Bouvier : "Portrait du pompiste en vieux chien errant ". Voilà la préface qu'il m'a demandé de lui écrire :

"Au kilomètre 137 de l’autoroute A10 en direction de Paris sur l’aire de Vilaines la Gonais vit et travaille depuis 32 ans Alain Bouvier. Dans la petite boutique Shell derrière la caisse enregistreuse ou près des pompes à essence s’ébat un oiseau rare. Même les Parisiens impatients et les VRP grincheux ne peuvent rater sa bobine. Deux grands yeux amusés, un visage attendri planté sur une carcasse un peu lasse et un mot pour chacun. Un enfant dans un corps d’adulte. Mais j’insiste, d’adulte, il n’a que le corps. Le pompiste matinal n’a jamais abdiqué sa part d’enfance. Tantôt «Guy l’éclair » sauvant la planète à bord d’une fusée de fortune, tantôt Joe l’indien échappant aux cow-boys de la Rue Florant, il n’a pas, comme tant d’autres laissé ses chimères au clou.

Toutes les saloperies qu’il faut condescendre à commettre lorsqu’on veut réussir sa vie l’ont épargné. Alain Bouvier ne s’est pas « carapaçonné » en devenant grand. Ce qu’il y a perdu en quiétude, il l’a gagné en imagination. Un nuage au loin, une femme qui passe, un sein qui se devine et c’est un monde à refaire. Las des prudents, il se désespère comme celui auquel il emprunte ses têtes de chapitre, Jean-Marc Rouillan, de la «survie de doryphore» auquel le système nous condamne. Toujours l’indien qui refuse de finir, maté, dans une réserve. Et qui rêve de changer l’ordre du monde, un monde dont il aime à penser que seuls les femmes et les artistes peuvent encore le sauver.

Les artistes, Alain en a croisé des dizaines sur son aire d’autoroute. Entre une averse et un plein de super, il leur a parfois proposé un des ses livres ou un café et toujours offert un sourire. Il s’était promis de ne jamais effacer ces rencontres. Aujourd’hui, en prose, en poèmes ou en aphorismes, il s’acquitte d’une dette et en même temps nous offre un formidable autoportrait, celui d’un «desperado de série z», d’un «raté réussi», d’un homme enfin qui se donne le droit de rêver. Et donc d’aimer."

Goodbye and hello

2011-02-05T11:00:00.003+01:00

Que mes amis blogueurs me pardonnent, One and one make five cesse pour l'instant toute activité. Peut-être un jour vous reparlerai-je de Cristina Aguilera ou de Claudine Longet mais jusqu'à nouvel avis, ce blog est en cure de sommeil.
Pour autant, je ne me mets pas en vacances de mon activité de blogueur et je vous annonce même par ce post l'arrivée d' Un soir un plan, destiné à faire partager mes passions de DVDphile.
A très bientôt donc,

Stardust

2010-09-22T15:56:00.006+02:00

Sur le tard, Rod Stewart en a fait son fonds de commerce. Avec un succès mitigé. George Michael s'y est essayé une fois ou deux et il a bien surpris son monde. Rufus Wainwright a ça dans le sang et dans la voix. Morrissey aurait tout pour y être fulgurant. Elvis, s'il l'avait vraiment abordé sérieusement en aurait déclassé plus d'un et Dylan, qui n'avait pas la voix pour ça y a souvent puisé son inspiration. Au creux de la vague, Linda Rondstadt y a vu une planche de salut et Robbie Williams, en taquinant ce répertoire a endossé un costard trop grand pour lui. Ceux qui ont les yeux qui scintillent lorsqu'on parle de Cole Porter, de Jimmy van Heusen, de Johnny Mercer ou bien de Burt Bacharach savent que le Great American Songbook est impossible à chanter si on ne sait pas chanter et que même ceux qui savent ne sont jamais sûrs d'y réussir. On ne peut pas s'intéresser à la musique américaine d'avant Heartbreak Hotel sans y être un jour confronté. Broadway, Hollywood, Tin pan Alley, jazz, pop, swing, il y a un peu de tout ça dans le G. A. S et il est difficile d'en donner une définition précise.
Parmi les artistes ayant contribué à la richesse de ce répertoire, Hoagy Carmichael occupe une place à part. Né dans une famille d'artistes bohème, il est contraint au sortir de l'adolescence d'occuper différents petits boulots (mécanicien, tueur dans un abattoir) pour aider les siens à joindre les deux bouts. En 1918, faute de pouvoir s'offrir un médecin compétent, ses parents voient la petite soeur d'Hoagy décéder d'une mauvaise grippe. Il se jure alors de ne plus jamais être dans le besoin. C'est la raison pour laquelle il met de côté une carrière de musicien pour se lancer dans des études de droit. Mais, las, l'attrait de la musique est trop fort et stimulé par son amitié avec le grand cornettiste Bix Beiderbecke, il repique au piano. C'est en 1927 que sa carrière décolle avec la composition de son premier grand succès : Stardust. Ce morceau, sublime, touche au coeur de nos rapports (du moins, je pense, beaucoup d'entre nous) avec la musique. Une femme nous a quittés en nous laissant comme souvenir d'elle une simple mélodie et la réapparition de ce fantôme musical nous plonge dans une douce nostalgie. Un thème souvent traité mais rarement de manière aussi prégnante que dans ce titre d'Hoagy Carmichael. Choisir trois versions parmi les milliers de Stardust enregistrés depuis 1927 est fatalement cruel. Pour mon goût personnel, trois miracles méritent d'être portés à votre connaissance :
- la version instrumentale d'Erroll Garner (guettez l'apparition du balai sur la batterie à la quarantième seconde !)
- la leçon de chant de Nat King Cole (le semi parlando de l'introduction est à tomber) accompagné par Gordon Jenkins
- le single de Bing Crosby (1931), moins suave et plus rapide que Nat, mais avec un sifflement irrésisitible à la fin.

Loving the underdogs

2010-09-10T20:30:00.009+02:00

En sport comme en tout, ma préférence va aux joueurs donnés perdants d'avance et qui parfois, rarement certes, créent la surprise. Ce que les Anglais nomment joliment Underdogs. Le champion gagne, c'est normal, c'est son job mais ses victoires marquent souvent moins les esprits que lorsqu'il perd, trébuchant sous les coups d'un mal classé ou d'un dilettante. Les exemples sont légion et ils sont presque tous aussi réjouissants les uns que les autres. C'est Soderling corrigeant Nadal en huitièmes de finale des Internationaux de Roland Garros 2008, c'est l'Algérie de Madjer maltraitant les Allemands en 1982, c'est Ronan Pensec portant le maillot jaune sur le Tour de France 1990 pendant deux jours. Mais la plus grosse cote, l'impensable, le retournement le plus inouï, il faut aller le chercher au Japon et ce, le 10 février 1990. Ce jour-là, Mike Tyson, le plus jeune boxeur à avoir remporté un titre de champion du monde affronte James Buster Douglas, un honnête puncheur de Colombus mais dont la notoriété était absolument incomparable à celle du "Kid Dynamite" La cote de Buster était de 52/1, ce qui équivalait à peu près à la chance de voir le Honduras gagner la Coupe du monde en Afrique du Sud. La plupart des commentateurs le voyaient tenir à peine plus longtemps que Berbick ou Spinks. Bref, au mieux, un sparring partner avant la rencontre avec Holyfield. Les aficionados pensaient même qu'au fond Douglas n'était pas un adversaire très légitime pour Iron Mike, qu'il ne devait cette chance qu'à son appartenance à l'écurie de Don King. "Quick Jab" va s'échiner à prouver le contraire. Dans les semaines qui ont précédé le combat, Douglas a perdu sa mère et s'est séparé de sa femme. Il n'a donc plus rien à perdre. Il a perdu du poids et peut se prévaloir de dix bons centimètres de plus qu' "Iron Mike". Tyson, lui, n'est plus tout à fait le cogneur terrifiant de 1986. La séparation d'avec Robin Given, le renvoi de son entraîneur et aussi peut-être ses frasques avec des jeunes et jolies nippones l'ont fragilisé. Au moment d'entrer sur le ring, Tyson le killer est redevenu un boxeur comme les autres et James Buster Douglas tient la chance de sa vie.

The Age of Innocence

2010-07-04T10:55:00.004+02:00

Dans un monde saturé d’obscénité, où chacun fait en sorte d’être plus commun et vulgaire que son voisin, un film comme The Age of Innocence fait du bien ! Non que l’obscénité soit absente du chef d’œuvre de Martin Scorsese, qui sait aussi se dissimuler derrière les gants beurre frais et les chapeaux claques, mais la mise en scène réussit la jolie prouesse de se mettre à l’unisson de la prose merveilleusement sophistiquée d’Edith Wharton (dont quelques échos nous parviennent grâce à la voix off de Joanne Woodward). Dédaignant l’académisme qui eut étouffé le film, Scorsese refuse de figer sa caméra dans d’interminables plans fixes. Il multiplie les mouvements virtuoses (plongées sur la table des Van der Luyden, fondus enchaînés sur les lettres d’excuse, entrée de Newton au bal donné par Julius Beaufort ) et use de plans très courts lors de la présentation d’Ellen chez les Van der Luyden comme pour signifier sa formidable liberté au sein d’une aristocratie new yorkaise aussi corsetée que celle du Vieux Monde. Virtuose, Scorsese l’est mais aussi incomparablement élégant lorsqu’il s’agit d’exprimer l’évolution des sentiments de Newton Archer vis à vis d’Ellen Olenska. Là, tout se joue dans la façon de filmer les mains des protagonistes. D’abord au Met un baise-main distant marquant une curiosité gênée puis une poignée de main plus engageante avant une étreinte fugace mais consolatrice du poignet. Et puis il y a aussi ce moment admirable où Newton doit faire renoncer Ellen à son divorce, donc à sa liberté. Insensiblement, la caméra se débarrasse de la profondeur de champ (toutes ces tentures, ces bibelots qui risqueraient d’agir comme un écran entre le spectateur et la vérité des sentiments) pour pouvoir mieux se focaliser sur les deux protagonistes brûlant d’amour l’un pour l’autre mais contraints socialement de taire leurs désirs.

Libéral en privé mais respectueux des convenances en public, Newton Archer est un personnage complexe, torturé et attachant mais il le cède en tout face à Ellen Olenska, femme émancipée qui pense pour avoir traversé l’Atlantique avoir gagné son droit au bonheur avant que d’ abandonner la partie pour ne pas forcer son amant à user de cruauté envers sa fiancée. Figure de sacrifiée d’une délicatesse presque surhumaine (« I can’t love you unless I give you up » dit-elle à Newton avant de se séparer de lui), Ellen Olenska rentre dans la catégorie des grandes amoureuses, de Madame de Mortsauf pour la fiction à George Sand, dans la réalité (également en butte aux conventions, également magnifique) qui dans Histoire de ma vie écrivait ces mots qui me revenaient en mémoire à la toute fin du film : «Le mariage est le but suprême de l’amour. Quand l’amour n’y est plus ou n’y est pas, reste le sacrifice.[…] Il y a au sacrifice des compensations que l’esprit vulgaire peut apprécier. L’approbation du monde, la douceur routinière de l’usage, une petite dévotion tranquille et sensée qui ne tient pas à s’exalter, ou bien de l’argent, c’est-à-dire des jouets, des chiffons, du luxe : que sais-je ? mille petites choses qui font oublier qu’on est privé du bonheur. »

Vendredi 11 juin 20 heures 15

2010-06-12T11:19:00.001+02:00

When Tracey sings

2010-05-18T18:15:00.005+02:00

Il s'en est fallu d'un cheveu que ce beau single passe inaperçu. Heureusement, il est une rubrique que je m'obstine à lire avant le grand renoncement à venir : les New releases sur All Music Guide. Là, j'appris que Tracey Thorn avait récidivé en solo après le très bon Out of the woods en 2007 (et la reprise décharnée d'un titre majeur des Pet Shop Boys (King's Cross)). Love and its opposite est disponible depuis le 17 en Angleterre et sûrement très bientôt sur le continent. Le single qui précéda la sortie de l'album est lui en écoute sur Spotify et disons-le d'emblée, c'est une perle rare. Tracey, qui après 28 ans de vie commune, vient d'épouser Ben Watt, s'inquiète du nombre croissant de séparations autour d'elle et cela donne cette ritournelle douce-amère où l'inquiétude du lendemain suscite de touchantes confidences ("And each time, I hear who's to part I examin my heart see how it stands wonder if it's still in safe hands "). Mais, si les paroles s'émeuvent de la précarité de toutes choses, la voix de Tracey, elle, est parfaitement maîtrisée. Le médium est splendide, le grave colle comme à l'habitude des frissons et la beauté du timbre est intacte.

Nabe, Sinatra et le swing

2010-04-28T17:53:00.007+02:00

Le commerce des imprécateurs n'est pas de tout repos et si j'en avais eu la possibilité, j'aurai sans doute préféré boire une tasse de thé avec l'abbé Mugnier qu'une "gorgée de poison" avec Léon Bloy. Mais la misanthropie de ceux qui vomissent le présent donne souvent à lire de fameuses pages, comme les articles de Marc-Edouard Nabe recueillis par les Editions du Rocher dans deux gros volumes, Oui et Non. C'est sur la foi du souvenir que j'avais de ces lectures que j'ai décidé de m'attaquer à son vingt-huitième livre, disponible chez son boucher et sur ce site. Curieux de cet homme depuis ses premiers pas médiatiques hallucinés chez Pivot, je me suis aussi laissé tenter par le dernier rock'n'Folk qui lui consacre sa rubrique Mes disques à moi.

Péremptoire, sentencieux, définitif, Nabe évacue le Rock'n'roll d'un revers de la manche, ne jure que par le jazz et la bossa-nova et affirme qu'il est le seul à comprendre le désarroi de la jeunesse avant de conclure que ce qui l'énerve le plus, c'est la prétention. Oui, bien sûr...

Mais ce qui m'a le plus soufflé, c'est son parallèle entre Hendrix et Sinatra que je vous laisse découvrir.

Alors, Nabe s'est-il laissé aller en présence de Manoeuvre ? Je préfère ne pas y croire car ce serait d'un "démagogue"indigne du fils de Marcel Zanini. Quant au swing, les bras m'en sont tombés. Sinatra, pas swing ? Mais je préfère vous laisser juge :

Frank Sinatra : Nice 'N' Easy

La nuit, le jour et toutes les autres nuits

2010-04-22T10:54:00.006+02:00

Michel Audiard n'a pas les fans qu'il mérite. Des plateaux télé aux fins de banquet arrosées, on le cite à tort et à travers pour mettre les rieurs de son côté. Pas sûr qu'il aurait aimé qu'on ne retienne de lui que les dialogues des Tontons flingueurs ou des Morfalous. Comme Gainsbourg qui considérait la chanson (qui le faisait vivre et bien vivre) comme un art mineur, Audiard n'aimait rien tant (moitié lucide, moitié roublard) que dénigrer le cinéma qui l'avait rendu riche et recherché. Son truc à lui, c'était plus la littérature. Certes pas du genre à fatiguer ses interlocuteurs de cuistres références mais toqué de l'ermite de Meudon comme de l'asthmatique du Boulevard Haussmann ou du poète de Charleville. Comme Walsh qui lors d'un tournage se cachait pour lire La chartreuse de Parme, l'homme à la casquette prenait soin de dissimuler le Voyage sous l'Equipe et La Recherche sous Paris-Turf. Son seul vrai roman, La nuit, le jour et toutes les autres nuits témoigne de cette dévotion-là (il cherche d'ailleurs noise à une rombière qui ne veut pas d'une rue Céline à Meudon) et montre qu'Audiard n'était pas qu'un dialoguiste hors-pair. C'était aussi un écrivain. Mauvais coucheur, xénophobe à ses heures mais un écrivain.

La nuit, c'est la blessure à vif qui ouvre le livre, la perte de son fils François dans un accident de voiture, le 19 janvier 1975. Devenu amer, nihiliste même, Audiard délaisse le pittoresque* qui a fait sa gloire pour, comme il l'écrit, "laisser défiler les souvenirs suivant un protocole où la mort règne". Mort de Pierrot lors d'un bombardement américain, mort des enfants d'Aristide dans le déraillement du Paris-Hendaye, mort de Myrette, violée, tondue et dépecée par les porte-flingues de l'épuration. Seul havre de paix dans ce monde oublieux des chagrins et des êtres, le cimetière de Montrouge où le narrateur reparle du temps passé avec ses chers défunts. Cela ne surprendra pas ceux qui apprécient la "bête noire" des cinéastes de la Nouvelle Vague, les souvenirs de l'Occupation d'Audiard penchent davantage vers La traversée de paris que vers Le dernier métro. Comme le Brassens des Deux Oncles, le scénariste des Barbouzes renvoie dos à dos résistants et collabos ("Les autres, de soldats, y compris ceux "de l'ombre", se confondent dans la même sauce tomate; se valant tous, fondamentalement hystériques, blouseurs-blousés, tellement monstrueusement semblables qu'on s'emberlificote dans leur destin poisseux"). La guerre, il l'a faite comme commissionnaire, vaguement livreur de journaux, arpentant la capitale à bicyclette (sa deuxième passion après les bouquins), spectateur d'une "exquise peuplade", les "hexagonaux", ("poivrots, combinards, délateurs, lèche-train, anonymographes"). Comme tant d'autres ni FFI, ni miliciens, Audiard a juste essayé de passer entre les flaques dans une période et une ville (Paname) où ce n'était pas si facile (je vous reparlerai bientôt du Trenet de l'occupation). Mais le discours qu'il tient sur cette époque, pour contestable qu'il soit, mérite d'être entendu : " J'ai jamais vu énormément de manifs devant les affiches rouges. Tout le monde avait, il faut bien le dire, autre chose à foutre...cavaler au crémier... apprendre les nouveaux pas de danse...repeindre les vélos volés...trouver du charbon. Quand vint le temps chaud, le beau soleil de 44, lorsque d'autres fumiers alignèrent d'autres fumiers à d'autres poteaux, les préoccupations restèrent identiques, plus frivoles à peine...ice-cream...chewing-gum...Lucky Strike"). L'héroïsme tardif des maquisards en peau de lapin, voila son cauchemar, au dialoguiste des Barbouzes. Difficile de nier qu'il franchit parfois la frontière du radotage mais je lui pardonne tout pour des passages comaques qui valent absolument le temps que vous allez passer à mettre la main sur ce livre : " A cette heure-ci, par ce temps-là, Pigalle vous tombe sur le dos comme un vieux tapis de chien. pourquoi cette merde me rappelle-t-elle Venise ? La sérénissime depuis cent ans gâteuse, rinçant ses chicots dans l'eau morte ? Pigalle sent à peine moins mauvais. Sitôt les chandelles soufflées, l'endroit tourne au caillé, pire que la grosse Place Clichy pourtant salement blèche. Le si tant chanté petit jet d'eau n'est plus rien d'autre, dans l'aube noyée, qu'une pissette dans une vasque..."

*: Même s'il lui arrive encore d'écrire des choses comme "quand on saura que les parents de Quenotte tenaient commerce de limonade et charbon de bois, il apparaîtra superflu de préciser qu'ils étaient d'Espalion"

He's the man

2010-04-08T15:23:00.005+02:00

Rarement coffret n'aura aussi bien porté son nom : Marvin Gaye - The Master. Maître chanteur, maître en harmonies et maître en composition, ce que l'on néglige trop souvent. Il a peut-être moins composé que d'autres au sein de la Motown (si on le juge à l'aune d'un Smokey Robinson notamment) mais les titres qu'il a écrit, seul ou en équipe, ont contribué à l'aura inoxydable de la firme de Detroit (Dancing in the streets, Mercy, mercy me, The bells pour The Originals, When did you stop loving me when did I stop loving you parmi tant d'autres).

Maintenant, il est évident que ce type de coffret laissera toujours le fan (et Saint-Médard d'Aunis peut se targuer d'en posséder un vrai de vrai) circonspect. A quoi bon thésauriser une énième fois une collection de titres déjà parfaitement connus et acquis ? 80 % de ce coffret était déjà disponible et quant au reste, il s'agit bien souvent de prises alternatives, rarement supérieures aux originaux. Alors quoi ? Pourquoi s'attarder sur un coffret dont la première mouture date de 1995 ?

D'abord pour les notes de David Ritz, le formidable auteur de Marvin Gaye : A divided Soul (un des rares livres qui ne quitte jamais ma table de nuit). fan transi et néanmoins lucide (il n'a jamais caché l'ingratitude légendaire de Marvin pour ses collaborateurs). Ritz axe sa (hélas trop courte) notice sur le conflit entre spirituel et temporel dans l'oeuvre de ce fils de pasteur. Disons qu'il enfonce le clou de sa biographie mais comment ne pas lui emboîter le pas lorsqu'on écoute et réécoute le maître. Qui, je vous pose la question, a mis autant de chair dans son gospel (éclaboussant His eyes is on the sparrow) et autant de ferveur dans ses appels au stupre ?

Et puis aussi pour la poignée de vrais inédits qui jalonnent ce coffret et qui justifient tous les excès pécuniaires en particulier le dyptique Piece of Clay , I'm going home enregistrés en marge de son album en duo avec Diana. Piece of clay, composé en partie par Gloria Jones (non, nous ne parlerons pas de son illustre compagnon!) voit Marvin affronter les fantômes d'une éducation sectatrice et brutale alors qu' I'm Going Home voit l'enfant prodigue retrouver le cocon familial. Piece of clay n'est peut-être pas une foudroyante révélation mais I'm going home est un blues hanté sans véritable refrain (on n'est pas loin de la jam de studio) mais aux modulations mineures saisissantes.

Pour Daniel comme pour Philou et les autres, il paraitra superflu d'écrire que cette anthologie ne dispense en aucune façon de se procurer tous les trésors enregistrés par le maître (liste sur simple demande) et de ne négliger ni ses albums de duos ni Vulnerable ni Live at the Copa.

Five years contest 15

2010-04-01T20:59:00.003+02:00

1. De quel film s'agit-il ?

2. Quel disque (A) est accroché au mur ?

We've got a winner ! MAYDRICK a décroché le point qui lui manquait en trouvant, accroché au mur Take it easy with the Walker Brothers. Quelques heures auparavant, The Civil Servant et fiston avaient su reconnaître Good Morning England mais c'était hélas peine perdue. reste maintenant à MAYDRICK de se déterminer : Livre ou disques ?

Five years contest 14

2010-04-01T07:49:00.003+02:00

1. De quel film s'agit-il ? (1 point)

MAYDRICK sans doute comme moi sous le charme de Julie Delpy scelle peut-être sa victoire avec Two days in Paris.

Gunfight ce soir à 22h00 ici même!

Five years contest 13

2010-03-31T19:21:00.005+02:00

1. De quel film s'agit-il ? (1 point)

2. Quel disque tient-il à la main? (1point)

En trouvant Good Morning Vietnam et All Summer long, MAYDRICK passe au Napalm la concurrence!

Five years contest 12

2010-03-30T06:28:00.006+02:00

1. Alors ce film, kiddoes ? (0.5 point)
2. Quel disque joue cette platine? (1 point)
3. Quel disque aperçoit-on sous le meuble orné d'un E majuscule? (1 point)
De gentil Mogwaï, MAYDRICK s'est transformé en impitoyable Gremlin(s) ravageant tout sur son passage. Seule la pochette de Marvin live at the Palladium lui a échappé. En revanche, il a retrouvé Johnny Mathis et son Do you hear what I hear ?

Par une malencontreuse manipulation, j'ai effacé le commentaire du Civil Servant. En espérant qu'il ne m'en tienne pas rigueur !

Jeu flash facile à 20 heures, qu'on se le dise !

Five years contest 11

2010-03-29T13:18:00.003+02:00

1. De quel film s'agit-il ? (1 point)

2. Quel est le titre et l'interprète du disque marqué d'une lettre A (0.5 + 0.5 point)

MAYDRICK et Mr Carnby talonnent désormais le Civil Servant car ils ont trouvé respectivement High Fidelity et Fresh de Sly & The Family Stone.

Five years contest 10

2010-03-28T19:31:00.005+02:00

1. De quel film s'agit-il (2 points compte-tenu de la difficulté de l'affaire !)

2. Et puis tiens le disque du bas tant qu'on y est pour un point.

MAYDRICK rafle la mise en trouvant Pump up the Volume et Everybody knows (Leonard Cohen)

Five years contest 9

2010-03-28T08:39:00.004+02:00

1. De quel film s'agit-il ? MAYDRICK, Daniel (que je n'attendais pas là, je l'avoue) et Mr Carnby ont reconnu Dirty Dancing.

Five Years contest 8

2010-03-27T12:43:00.004+01:00

1. De quel film est extrait cette photo ? (1 point). Davnat s'immisce dans le classement grâce à Cria Cuervos. Bravo, Davnat !

Five years contest 7

2010-03-26T13:13:00.004+01:00

1. De quel film s'agit-il, dudes ?(1 point)

McCarnby, a force de persévérance a trouvé Ghost World !

Five years contest 6

2010-03-24T22:06:00.006+01:00

Une petit coup de pouce à mes amis dijonnais...

1. De quel film s'agit-il ? (0.5 point)

Ce n'est pas un bourguignon mais un normand bretonnant, Mariaque qui a trouvé Le Souffle au coeur tourné à Dijon

Five years contest 5

2010-03-24T14:04:00.005+01:00

1. De quel film s'agit-il ? (1 point)

2. Quelle chanson de Bowie est-il possible d'entendre dans ce film ? (1 point)

Tabernacle! Il s'agissait de C.R.A.Z.Y, ce qui n'a trompé ni Coolbeans, ni The Civil Servant; ni Mr Carnby. Session de rattrapage ici pour ceux qui demeurent bredouilles !

Five years contest 4

2010-03-23T23:11:00.004+01:00

1. De quel film s'agit-il ? (1 point)

Quant on allait dans les boums, on amenait nos skeuds pour éviter de ne danser que sur Karen Cheryl. The Civilservant a du s'en souvenir puisqu'il a trouvé La boum (1980)

Five years contest 3

2010-03-22T13:16:00.005+01:00

1. De quel film s'agit-il, lads ? (1 point)

2. Que va faire ce personnage de ce disque? (1 point)

Mariaque à qui je dois la vision de cet excellent film et le Monsieur Zombie d'Argenteuil, Coolbeans auront seuls reconnu Shaun of the Dead. Ed s'apprête à jeter Diamond life à la gueule de deux zombies peu amènes (sort que connut un skeud de Dire Straits (mais les Stones Roses furent (thanks god) épargnés)) (bonne réponse trouvée par les deux mêmes).

Five years contest 2

2010-03-21T17:13:00.011+01:00

Cristina Ricci allumait sévèrement Jason Biggs dans Anything else : " You were listening to Cole Porter and you thought of me. You must really have a crush on me ". The Civil Servant, intenable et Mariaque se partagent les points.

Five years contest 1

2010-03-20T17:50:00.002+01:00

1. De quel film est extrait cette photo ? (1 point)

2. De quel disque s'agit-il (question subsidiaire) (1 point)

Five years

2010-03-18T08:08:00.004+01:00

Afin de fêter dignement le premier lustre de ce blog, Sonic engage à partir de ce week end une série ludique permettant au meilleur des compétiteurs de remporter ce superbe ouvrage ou cette fabuleuse collection de 3 cd's. Les jeux auront pour thème le vinyle. Il s'agira de reconnaître des bouts de pochette ou des photos de film avec disques. Le premier à obtenir 10 points sera considéré comme vainqueur.
Les réjouissances commencent demain à 18H00

Les Illusions perdues

2010-03-08T15:24:00.003+01:00

On voit très bien ce que 17 again aurait pu être et n'est malheureusement pas. Le premier quart d'heure, assez réussi, dresse le portrait d'un trentenaire désabusé, Mike O'Donnell (Matthew Perry), pour qui les grandes espérances se sont stoppées nettes le jour où sa petite amie lui a annoncé à 17 ans qu'elle était enceinte de ses oeuvres. Mike était un élève doué, un basketteur accompli, parfaitement intégré dans son high school d'Hayden et promis à une université brillante (qu'il aurait pu intégrer grâce à une bourse décrochée eu égard à ses performances sportives). Mais voilà, l'annonce de cette grossesse et l'union subséquente vont tout faire capoter. Adieu, diplômes universitaires et carrière brillante. Bonjour vie médiocre, enfants ingrats, quotidien étriqué et promotions sans cesse remises au lendemain. Pendant presque vingt minutes, on tenait un avatar hollywoodien des Illusions perdues et Matthew Perry pouvait presque prétendre porter sur ses épaules le costard du formidable personnage créé par Philip Roth dans American Pastoral, The Swede (remplacer le basket par le base ball), à qui lui aussi tout était promis et pour qui lui aussi tout foira. Dans une très belle séquence, Mike O'Donnell, adulte revient sur les pas de ses exploits pour constater que le warrior d'hier n'a jamais concrétisé les rêves de sa jeunesse (sa femme (belle métaphore) dont il est séparé ratiboise les arbres du jardin de leur ancienne maison). Hélas, la mélancolie de ce premier quart d'heure fait vite place à un divertissement familial où Mike O'Donnel récupère sa jeunesse afin de rectifier ses erreurs de trajectoires. Zac Effron (moins détestable que ma fille Anne me l'avait décrit) étant sûrement plus vendeur que Perry (malgré Friends), on a droit à un gentil teen movie, bien moralisant et qui oublie très vite les ambitions du début. Volatilisées les frustrations et les déceptions de Mike adulte, bienvenue aux joutes verbales de Mike adolescent avec ses condisciples et au préchi-précha déplaisant vantant les bienfaits de l'abstinence. Alors, bien sûr, des punchlines de Ned Gold (Thomas Lennon) naissent quelques sourires mais le mal est fait et chacun retrouvera sa chacune en évitant de creuser le filon scabreux qui voit Mike, redevenu jeune, dragué par sa propre fille. A un moment pourtant, le cahier des charges imposé par les ligues de vertu a du être trop fort et Burt Steers leur adresse un joli pied de nez. Quand Mike, 17 ans ,sermonne ses copines cheerleaders en leur disant que si elles n'ont pas plus de vertu, personne ne les respectera et que l'une d'entre elles répond : "c'est justement ce que je veux que tu me respectes pas", on respire enfin mais c'est bien court au milieu d'un rata monogame sans saveur qui donne envie d'adhérer à un club échangiste. La fin ravira les ménagères, les cinéphiles, eux ont déjà et depuis longtemps fait le deuil des ambitions du film.

Après lecture

2010-02-27T16:36:00.002+01:00

Les Bienveillantes est une énigme. On y évoque les pires turpitudes de l’espèce humaine, on y déporte, on y emprisonne et on y assassine en masse et pourtant on ne peut s’en détacher. Le roman vous colle aux mains comme la boue collait aux bottes cloutées des soldats de la Wehrmacht. Malgré toutes les horreurs qui s’accumulent dans le roman de Jonathan Littell, je guettai le moindre moment de libre, la moindre récréation pour m’y replonger. Ce n’est pas que Les Bienveillantes soit un livre sans défaut. Loin de là. On y sent ses fiches, on voit que l’auteur a potassé tout ce qui a pu s’écrire sur la destruction des Juifs d’Europe et l’agonie du Reich, de Hillberg à Beevor. Le style a ses lourdeurs et les anglicismes sont nombreux. Il y a aussi cette fâcheuse impression que Max Aue fut toujours là lorsque le pouls de l’Histoire s’accélérait , qu’ aucun des grands protagonistes ou des petits comparses du Troisième Reich n'échappèrent à sa poignée de main. Il se retrouve à Stalingrad lorsque la sixième armée, aux abois est encerclée, reçoit les bombes des Lancaster anglais dans Berlin ravagée. Il participe à une partie de chasse avec Speer, reçoit ses ordres directement de Himmler , partage la cellule de Negele le jour qui précède son exécution et croise même l’ombre de Jünger dans une gare du Front de l’est. Ce n’est plus la guerre de l’Obersturmführer Max Aue, c’est Tintin au pays des Nazis.

Et pourtant, ce livre, on ne l’a pas lâché, malgré son poids, malgré les ronflants titres S.S sans cesse énoncés. On l’a lu soir et matin jusqu’à la nausée. On l’a lu passionnément au risque terrible (dénoncé, et c’est compréhensible, par de nombreux critiques) de l’empathie. Max Aue, c’était nous, c’était un homme et c’est ce qui rend la lecture des Bienveillantes si troublante, si gênante. Eut-il été un monstre, un pervers sadique s’adonnant au crime en gros, on aurait pu refermer le livre soulagé en se disant que les S.S n’étaient au fond qu’ une poignée de malades absolument pas représentatifs du reste de la population allemande. Mais tel n’est pas le cas, Max Aue est un allemand ordinaire avec juste une sexualité un peu plus trouble que le commun des mortels. C’est un homme cultivé, un esthète même qui écoute du Bach à ses heures perdues. Il peut écouter une passacaille de Forqueray sur son gramophone le matin et l’après-midi procéder à l’exécution de juifs dans une forêt d’Ukraine. Non qu’il en conçoive du plaisir mais parce que cette mission est rendue nécessaire par l’idéologie à laquelle il sacrifie. Cette idéologie, il la sert tout autant que les officiers de la Wehrmacht qui prétendront plus tard avoir mené une guerre propre (thèse à juste titre battue en brèche par Littell) Cette idéologie, comme d’autres, il y a cru et quand tout est perdu, il s’y raccroche pour ne pas mettre fin à ses jours. Très souvent et pas simplement à cause de la citation de Sophocle dans le prologue, j’ai pensé à Cioran et à mon livre de chevet, son Précis de décomposition : « Idolâtres par instinct, nous convertissons en inconditionné les objets de nos songes et de nos intérêts. L’Histoire n’est qu’un défilé de faux Absolus, une succession de temples élevés à des prétextes, un avilissement de l’esprit devant l’improbable[…] Que l’homme perde sa faculté d’indifférence : il devient l’assassin virtuel ; qu’il transforme son idée en dieu : les conséquences en sont incalculables ». Les conséquences, c’est la transformation d’un juriste anonyme en tueur et c’est cette transformation irrémédiable, rendue admirablement par Littell qui fait tout le prix de ce livre si incroyablement fort qu’il fait oublier presque tous les ouvrages précédemment lus.

Older

2010-02-23T19:13:00.001+01:00

Avec Mariaque, il y a déjà longtemps, on s’était dit qu’on deviendrait vieux le jour où on aurait plus d’appétit pour les nouveaux groupes, plus le désir de s’approprier la next big thing avant Télérama ou mon petit neveu. Bref, quand on n’aurait plus goût à guetter dès janvier, tel Coolbeans, « les sorties d’avril ». Et bien, ce jour-là est arrivé. Je suis vieux. Je parle en mon nom, Mariaque, lui, ne sera jamais vieux, c’est comme ça, c’est inscrit dans ses gènes. Je suis vieux et ça ne me dérange pas plus que ça. Je suis vieux car mon esprit n’est plus en phase avec les préoccupations de types de 20 ans qui bricolent le son de demain dans leur garage. Je suis vieux car musicalement mon oreille n’arrive plus à appréhender la dizaine de nouvelles sensations qui surgissent chaque semaine via les blogs, My space ou Spotify. Elle n’y arrive plus car tout simplement, le désir s’est émoussé. Je rate et ce depuis déjà un bon moment, tous les fantastiques groupes dont on vous entretient ici ou là et ça ne me rend pas ou plus chagrin. Ce qui me rendrait triste, c’est de ne plus rien ressentir en recevant le volume 11 des Complete Motown singles ou en découvrant un album obscur de Jackie DeShannon mais ce jour-là, dieu merci, n’est pas encore arrivé. La musique et ce n’est pas rien, me fait toujours le même effet qu’à vous. Simplement, et là encore, je marque ma différence avec l’ami Cool’ qui aime « se donner l'impression de n'avoir pas conditionné son cerveau à ne pouvoir écouter qu'un seul genre », j’ai tendance à labourer un sillon de plus en plus ténu et de moins en moins contemporain. Non pas avec cette fallacieuse idée en tête que c’était mieux avant (antienne qui m’a toujours assommé) mais parce que le passé, c’est mon truc. Motown, Bacharach, le Brill Building, Sinatra, ça me dit d’approfondir, de connaître chaque coin et recoin. Midlake ou Bon Iver, moins.

...A 30 ans, je raillais les types de mon âge qui, après avoir écouté les Pixies et Jesus&Mary Chain à 18 ans, se mettaient à Coltrane et Miles Davis. J’en ai 43 et, si je n’ai toujours pas écouté A love supreme, je passe mon temps à dire du bien de Sinatra et de Dean Martin à des gens qui ne jurent que par Metronomy ou Boys Noize...

Tough girls don't cry

2010-02-22T21:33:00.002+01:00

Pour son premier passage (ou presque) derrière la caméra, Drew Barrymore l’a joué plutôt profil bas. D’habitude, les actrices (acteurs) qui se découvrent directors sur le tard multiplient les idiosyncrasies. Leurs films font assaut d’originalité, de personnalité mais souvent le public, désarçonné par des histoires tordues ou des cadrages alambiqués (qu’on songe, et nous nous en tiendrons à un seul exemple, au Rat Boy de Sondra Locke), fait la fine bouche. On leur en veut de ne pas faire des films à l’image de ceux qui assurèrent leur succès. La suite est à lire chez mon excellent collègue et ami El Mariako

La dame de carreau

2010-01-27T21:42:00.005+01:00

Glamour et rock'n'roll sont des termes qu'on n'associait pas ordinairement au cadre désuet de la salle des professeurs du collège charentais dans lequel j'officie. Et on n'avait pas complètement tort, malgré l'intense campagne de promotion interne qui avait marqué la sortie du remarquable Playlist Pop-Rock de Jocelyn Manchec en janvier 2008. Mais depuis la rentrée, tout a changé, nous avons le plaisir d'accueillir dans nos rangs la féline chanteuse du groupe The Queen of diamonds. On a du mal à croire en écoutant les trois titres mis à disposition sur Myspace que ce groupe n'en est qu'à ses balbutiements. Tranchant de l'instrumentation, qualité de la diction de Rachel, moelleux des vocaux doivent permettre à TQOD de toucher un public plus large que les simples aficionados aquitains. Aficionados qui eurent le loisir de saisir le groupe sur scène à plusieurs reprises. Espérons que les Charentais seront eux aussi gratifiés du plaisir de voir La dame de carreau, toutes griffes dehors..

Silver Spoon - The Queen of Diamonds

The Queen of diamonds | Clips vidéo MySpace

Three is a crowd

2010-01-09T16:22:00.002+01:00

Vous avez été nombreux (3) à réclamer le retour d' Unknown Pleasures, l'émission qui tâche de redonner une seconde vie à des albums trop rapidement oubliés ou au contraire injustement méprisés. Après une (trop) longue attente, je suis en mesure de vous annoncer que la deuxième saison commence lundi, d'abord en écoute sur le site de Radio collège puis en podcast sur le site habituel. La première émission sera consacrée à Take a picture de Margo Guryan et la deuxième à Félin pour l'autre de Luna Parker. C'est aussi l'occasion de reprendre le fil du jeu qui vous permettra de gagner un disque de votre choix parmi les albums qui inspirèrent Unknown Pleasures.

Le jeu à la vierzonnaise ne connaît pas la trêve des confiseurs

2009-12-30T09:49:00.003+01:00

Sonic et fils déposent leurs bilans

2009-12-22T22:20:00.006+01:00

Après avoir légèrement persiflé devant l’enthousiasme débridé dont faisait preuve mon fils à propos du concert de Boys Noize auquel il venait d’assister (le 4 Sans à Bordeaux), je m’attirai un cinglant et pas immérité : « ton problème, papa, c’est que toutes tes idoles sont mortes !». Alors, pour lui prouver que je n’ai pas passé la décennie écoulée à écouter uniquement Frank, Motown et Anita Cerquetti, je me fends d’une petite playlist des 10 titres 2000-2009 qui m’ont le plus marqué que je ferai suivre de celle de mon aîné.

1. Here comes the summer (The Fiery Furnaces)

2. Going to a town (Rufus Wainwright)

3. Mother's journey (Score Goodbye Lenin)

4. Yeah (Usher)

5. Toxic (Britney Spears)

6. La pluie qui tombe (Daniel Darc)

7. Que n'ai-je (Keren Ann)

8. Brother (The Organ)

9. Pretty (ugly before) (Elliott Smith)

10. Love has got me crying again (Denise James)

Au tour de Matthieu maintenant (l'ordre n'a pas d'importance) :

1. Shine Shine (Boys Noize)

2. Public enemy (The Bloody Beetroots)

3. Aerodynamic (Daft Punk)

4. Zestören (Rammstein)

5. Wait and bleed(Slipknot) Une vraie pomme de discorde intergénérationnelle!

6. Supermassive black hole (Muse)

7. Idealistic (Digitalism)

8. J't'emmerde (MC jean Gab'1) Un point d'accord enfin!

9. Delivery (Babyshambles) Un deuxième!

10. Feel good inc (Gorillaz)

Frank and I

2009-12-19T18:12:00.002+01:00

Sonic Eric et son ami d'outre-tombe souhaitent à tous leurs amis bloggers de joyeuses fêtes et une excellente année 2010
Photo : courtesy of Anne Aussudre

Back with Frank

2009-11-25T18:50:00.007+01:00

On pensait avoir fait le tour de la question, on croyait s'être débarrassé de celui qui nous empêcha de goûter tant d'affriolantes nouveautés mais il a suffi d'une session Itunes en mode Shuffle pour le voir repointer le bout de son tuxedo.

On avait quitté Frank avec la certitude que ses albums Capitol étaient son pinacle et que ses enregistrements Columbia n'étaient que des brouillons. Et puis vint You're my girl et le doute s'installa. Enregistré en mai 1947 alors que The Voice entame sa sale période (désaffection des Bobbysoxers, transport de valise à la Havane, rixe avec des journalistes), ce titre est absolument fascinant. Fascinant car un immense chanteur est en train de muer sous nos oreilles attendries. Jusqu'alors, il n'était qu'une voix, sublime certes mais guère plus qu'une voix. Et sur ce titre comme sur Laura, All of me, Body and soul, tous de 1947, on sent la gestation du formidable interprète à venir. You're my girl peut superficiellement apparaître comme une romance sucrée mais remarquez le décalage plus qu' ambigu entre la teneur des paroles (en gros, I've chosen you to be mine my whole life through) et l'intonation du maître, pleine d'une anxieuse incertitude. Difficile de ne pas relier ce hiatus aux difficultés conjugales que connaissait alors Frank avec Nancy. Le couple battait de l'aile et la tornade Ava commençait à faire sentir ses premiers effets. Ecoutez à 2'23 la façon dont, après le pont, Frank reprend You're my girl I've chosen you. Moi, j'entends plutôt I'm your man you've chosen me. Et c'est ce Frank là, celui qui fait mine de contrôler une situation totalement incontrôlable, qui me fait totalement fondre. Alors, oui, il montrera plus tard plus de swing, plus d'assurance, plus de moelleux même, mais ce trouble juvénile conjugué à des moyens vocaux au zénith, je trouve ça tout bonnement fabuleux!

You're my girl

A noter la disponibilité de l'intégrale Columbia (12 cds!!!) sur Spotify (encore merci, mon Cool'!)

Marie 1973

2009-11-18T16:15:00.012+01:00

Pour beaucoup de chanteuses populaires nées au succès dans les années 60, les années 70 furent rarement tendres. De Sandie Shaw à Cilla Black, de Patti Pravo à Rita Pavone, la liste est longue de celles qui, n'ayant été que des faire valoir dans les golden sixties, ne purent s'adapter à la mode grandissante des auteurs compositrices interprètes . C'est l'époque où Véronique Sanson, notre Carole King à nous, chantait, à fond dans l'air du temps, "Tout est cassé, tout est mort". La table rase de l'après-68 dut aussi passer par la chansonnette. Pour une Françoise Hardy, capable de se renouveler sans se trahir, combien de Zouzou, de Martine Kelly, de laissées sur le pavé encore tout tremblant des récentes échauffourées!

Malgré deux-trois hits furtifs en 1972, 1973, Marie Laforêt, n'échappa pas à cette charrette et il est significatif de constater que tous ses enregistrements pré 68 ont été correctement réédités alors que la plupart de ses albums postérieurs n'existent qu'en vinyl.

De 1963 à 1968, chez Festival, elle avait alterné les hauts très hauts (les délicieuses collaborations avec André Popp (Mon amour, mon ami en tête) et quelques singles de haute volée (Les vendanges de l'amour, Tu fais semblant)) et des bas assez terrifiants (ah, ses adaptations de Joni Mitchell ou Jagger-Richards). Et puis, en pleine gloire, elle claque la porte pour signer chez CBS, souhaitant tourner le dos à la pop qui fit son succès pour des reprises de titres appartenant au folklore latino ou yougoslave. CBS lui laissera enregistrer un album live de ce répertoire et puis constatant le peu de succès (justifié selon mon point de vue) de l'affaire (la pochette est splendide mais la musique est sans intérêt, reléguant (un comble) la voix de Marie au second plan au profit d'instrumentistes douteux) lui rendra sa liberté. Déçue, Marie mettra dans un mouchoir ses ambitions artistiques proto World Music pour enregistrer de la variété telle qu'on la pratiquait alors chez les Carpentier* avec un manque d'unité stylistique qui frise parfois la schizophrénie (le mélo le plus débridé côtoie l'Amour sous les palétuviers). Autant dire qu'il faut plonger dans les disques de ces années-là avec l'abnégation d'un ferrailleur dans une casse abandonnée. De cette brochette de disques Polydor, le moins inégal est peut-être Pourquoi les hommes pleurent (1973) avec L'amour à 16 ans**. Ce morceau est sans doute mon titre préféré de la miss (avec cette impudeur, ce tendre vibrato qui ne sont qu'à elle). Marie est une comédienne et ça s'entend : elle sait immédiatement trouver l'intonation juste (ce qui n'implique pas forcément la sobriété). J'aime beaucoup aussi Arlequin où elle retrouve Danyel Gérard, avec une belle guitare hypnotique hélas bientôt supplantée par des mariachis hystériques. On quitte toujours quelque chose ou quelqu'un est vraiment trop Il était une fois pour moi. Avec Le mal d'aimer, Une petite ville et Viens, viens, il faut faire abstraction de la musique, des paroles, des arrangements (rien que ça) et accepter les incroyables licences vocales qu'elle s'autorise (Marie est à la limite du cri dès qu'elle monte dans les aigus) et un pathos pas exactement contenu. Si on est prêt à ces sacrifices, et je sais que c'est beaucoup demander, on entre dans un nirvana kitsch où tout sens critique est aboli, où l'on "aime caresser des cheveux mouillés" et où "l'on se tient la main en guettant le train". Un peu comme l' équivalent sonore d'une relecture inattendue de courrier remontant à l'âge tendre.

Après, si votre disque préféré de 1973 est Future days de Can, je pense, vous m'aurez compris, qu'il est préférable de passer votre chemin !

* : on pense aussi aux incroyables écarts que commettait à la même époque un autre favori de ce bloggueur, Joe D..

** : C'est en écrivant ces lignes que j'ai fait le rapprochement entre la pénible Lisa Azuelos (sa fille) et l'actrice de Plein soleil : on entend hélas cette chanson dans l'impardonnable Lol!

2009-11-07T11:57:00.004+01:00

Il aimait Cioran et les fraises Tagada, préférait Dionne Warwick à Johnny Rotten même s'il était au Chalet du Lac en 1976. Il fut le premier français à faire la couverture du Melody Maker et accessoirement l'un des très rares dans mon panthéon personnel. Il avait repris Le Sud mais ne risquait pas de faire partie de la tournée des Enfoirés. L'un de ses meilleurs titres s'appelait : Je ne suis pas toujours de mon avis.

Il est mort hier matin.

Désamour (en duo avec Héléna)

Margot à la plage

2009-10-30T20:49:00.004+01:00

Décidément sous le charme d'Amanda Langlet, j'ai voulu visionner Conte d'été (1996) à la manière d'une suite de Pauline à la Plage sauf que dans Conte d'été, le personnage joué par Amanda s'appelle Margot. Douze ans après, le visage de l'actrice conserve des traces de l'adolescence (les joues pleines, le front légèrement bombé) et cette voix si prenante, à la fois douce et assurée (la comparaison est cruelle pour Lena, censée être la véritable amoureuse de Gaspard et dont les interventions tombent systématiquement à plat). La collégienne est devenue une étudiante en ethnologie qui travaille l'été pour sa tante dans une crêperie de Dinard (on a au passage quitté le Cotentin pour l'Île et Vilaine). Margot a conservé de Pauline la faculté de voir vrai dans le jeu que jouent ses amis même si elle a parfois du mal à conserver la distance que nécessiterait son rôle de confidente. Elle veut faire de Gaspard (Melvil Poupaud) son ami et peut-être un peu plus...

Aussi impatiemment qu'avec Pauline, on guette les moments où Margot entre dans le cadre (heureusement, ces moments sont nombreux notamment lors de longs dialogues avec Gaspard sur la plage). Son personnage, délicieusement ambigu , domine et de loin les autres protagonistes.

Subtilité des échanges amoureux, finesse des dialogues (comment ne pas penser à Marivaux lorsqu'on sait que Margot est serveuse mais qu'elle parle à la façon d' Euphrosine dans L'île des esclaves ?), importance de la lumière naturelle (cela fait un bien fou de voir la Bretagne sans filtre), pas de doute, on est bien chez Rohmer. On est tellement bien que lorsque Gaspard quitte Margot pour le bac qui mène à Saint-Malo, on est subitement tout triste. On a beau dire qu'on se reverra à Rennes, personne n'est dupe!

L'abbé ne fait pas le moine

2009-10-28T19:56:00.008+01:00

Ah, comme j'envie l'abbé Mugnier, pas pour la chasteté, non, mais pour les rencontres qu'il fit toute sa vie durant. En délicatesse avec sa hiérarchie, cet ecclésiastique qui n'aimait ni les dévots ni les génuflexions, occupe une place à part dans le monde littéraire français de l'entre trois-guerre (il est ordonné prêtre peu après 1871 et meurt en mars 1944). Privé d'émulation intellectuelle au sein d'un clergé sclérosé par le pontificat de Pie X, le vicaire de la paroisse Saint Thomas d'Aquin délaissa le mieux qu'il put la sacristie pour la fréquentation de tout ce qui a compté (ou presque) dans le Paris de la Belle époque. Affamé de discussions littéraires, de mondanités et de boiseries dorées, l'Abbé Mugnier goûte autant la compagnie de la Princesse Bibesco que le brio du jeune Cocteau. Profitant d'un état qui inspire confiance, le prélat enregistre jour après jour les confidences de l'inénarrable Anna de Noailles (dont les caprices, la drôlerie et la sensibilité le ravissent) que les délires d'un Huysmans (dont la conversion au catholicisme lui doit beaucoup). Son Journal qui va des derniers feux du Faubourg Saint-Germain (celui qui fut si dur pour Lucien de Rubempré) au Paris de l'occupation, oscillant entre style télégraphique et formules épatantes est un régal car si l'abbé a un carnet d'adresses impressionnant, il a aussi un talent énorme pour la dissection acérée. Il a beau se régaler des blinis au caviar, il voit bien tout le pathétique de ce beau monde qui crie au socialisme lorsque les domestiques demandent le sucre que le rationnement leur consent et qui fuient la capitale au premier coup de la grosse Bertha. Ce qui me réjouit et qui répugnait à Léon Bloy, c'est aussi cette empathie que l'abbé éprouve pour tous ces habitués des grands salons parisiens. Libre-penseurs, déistes, antidreyfusards, monarchistes, le prêtre les écoute tous, jugeant rarement et tâchant dans son Journal de leur redonner vie le plus fidèlement possible. Celui dont il semble le plus proche par le tempérament et qu'il croisa souvent entre 1917 et sa mort, c'est bien sûr le plus grand d'entre tous, Marcel Proust. Tous les deux à leur façon furent les entomologistes d'un Monde qui ne se remit jamais vraiment de la grande hécatombe*. L'abbé Mugnier appellait Proust "l'abeille des fleurs héraldiques" et celui-ci aimait lui parler des aubépines d'Illiers . J'aime à penser qu'il ne lui aurait pas déplu d'être aujourd'hui édité dans l'une des plus belles collections qui soit : "Le Temps retrouvé".

* : Ils étaient peu nombreux en 1919, ceux qui tel le doux vicaire, osèrent envisager les suites désastreuses d'un traité également désastreux :"Sonate de Bach, de Beethoven. en songeant à ces grands Allemands je souffrais de certaines mufleries dont un peuple qui se dit chevaleresque doit s'abstenir. Il y a eu, en effet, dans notre attitude envers l'ennemi à la veille de signer ou signant, des détails qui m'ont choqué. On ne refuse pas le verre d'eau froide. Comme elle doit s'abîmer encore dans les rêveries tristes la Melancholia d'Albrecht Dûrer! Si jamais dans l'avenir, nous tombions dans les griffes d'outre-Rhin, comment serions-nous traités?"

A house is not a home

2009-10-21T20:38:00.005+02:00

Il y a des choses qui ne trompent pas dans une maison, il y a des signes qui montrent immédiatement qu'on est dans la demeure d'un honnête homme.
J'avoue avoir ce penchant pénible de reluquer la discothèque de mon hôte en plus de la tenue de son épouse. Dans la plupart des intérieurs amis, peu de chance de rester longtemps agenouillé devant des vinyls fabuleux (hormis les rares qui se reconnaitront). Un best of Police, 2 vilains Goldman , un Renan Luce pour paraître dans le coup et un verre de punch pour oublier toute cette misère.
Mais si au détour d'une étagère surgit Le coffret Back To Mono ou le beau Look of Love consacré à Burt Bacharach (chez Rhino records), on abandonne illico le punch pour une coupe de champagne. Les coffrets, on les chérit, on les place en évidence dans la discothèque mais à vrai dire, on les écoute rarement dans leur intégralité . The Look of love fait vraiment exception. Hormis trois titres du dernier cd aisément oubliables (on imagine bien Burt composant Best that you can do pour se payer un nouveau smoking) , c'est une bénédiction, une épiphanie comme disent les anglo saxons. Chaque titre du duo majeur trouve ici son interprète d'élection. Il existe 50 versions d'Any day now mais qui peut raisonablement rivaliser avec Chuck Jackson ? La même chose vaut pour 24 hours from Tulsa par Gene Pitney ou bien sûr Make it easy on yourself par Jerry Butler. Peut-être pas A house is not a home. Là, on peut préférer la version de Miss Warwick à celle de Brook Benton mais la patricienne Dionne est déjà particulièrement bien servie par le coffret Rhino. Cette chanson, c'est un de mes titres préférés du maître. Le texte d'Hal David a cette délicatesse de sentiment et cette poésie faite de mots tout simples qui ne sont qu'à lui (et puis moi, je fonds pour les morceaux qui font rimer room avec gloom). Quant à la partition de Burt, elle est à l'unisson du texte, d'une sublime pudeur. Dans les versions récentes de ce standard inoxydable, j'aimerai faire une place pour celle de Ronald Isley (le ténor des Isley Brothers, oui, ceux du magnifique Got to have you back). Ron' à 62 ans passés s'attaque à ce monument sous le regard complice de Bacharach qui arrange et produit cet album tribute. Le résultat vole haut (le contrôle du souffle est hallucinant) et même si les cordes sont un peu envahissantes, il faut écouter jusqu'au bout ce disque rare.
Ronald Isley, A house is not a home

Once bitten, twice shy

2009-10-08T18:45:00.004+02:00

Toujours un cadeau en jeu pour cette deuxième salve après le pétard mouillé qui a précédé
Indice photo :
Morceau mystère : http://dl.free.fr/qi5YyreB6

A vous de trouver le titre et l'interprète mystère.

One game, one gift

2009-10-08T12:50:00.006+02:00

Alors que le Civil Servant nous fait suer milles morts avec ses invraisemblables photos d'actrice suivies d' énigmes sacrément corsées, je ne résiste pas au plaisir de vous proposer une petite chanson mystère accompagnée d'un indice visuel. A la clé un cadeau mystère. Pour l'emporter, il suffit de retrouver le nom du groupe et le titre mystère.
Indice visuel :
Chanson mystère : ? (les Mynah Birds avec It's my time trouvés par J.P)
Attention, comme la solution était visible sur Winamp, nouveau jeu à 20h00

Pauline à la plage

2009-10-03T06:50:00.008+02:00

C'est peut-être en refusant d'être de son temps qu'on devient intemporel et c'est peut-être aussi en s'adonnant à l'artifice qu'on s'approche le plus de la vérité des sentiments. Ces idées me trottaient dans la tête en regardant pour la première fois Pauline à la plage d'Eric Rohmer. J'avais enregistré le film sur VHS il y a presque une décennie mais j'avais différé le visionnement par peur d'être déçu.
Quel incroyable contraste entre la représentation de l'adolescent dans ce film et dans les autres films, d'hier comme d'aujourd'hui. Le personnage de Pauline est totalement dépourvu de ces tics de langage qu'on croit obligé d'adopter dès lorsqu'on s'attache à filmer des moins de vingt ans. Et les adultes n'éprouvent pas non plus le besoin d'adapter leur façon de parler . Et, du coup, le décalage des générations est beaucoup moins sensible qu'ailleurs. Les discussions interminables s'enchainent sur la naissance de l'amour sans que jamais l'ennui ne pointe le bout de son nez et ce, malgré l'incroyable affectation d' Arielle Dombasle (parfaitement en accord avec son personnage, cela dit). Les dialogues sont très écrits mais, étrangement, grâce à la vérité de la direction d'acteurs, l'adhésion du spectateur est totale (disons, du moins, la mienne!).
Le film fut distribué en 1983 et j'avais donc sensiblement le même âge qu' Amanda Langley à l'époque du tournage. Amanda est moins étincelante que Judith Godrèche dans La fille de quinze ans mais le charme du timbre de sa voix (à la fois grave et enfantin) opère longtemps. Si j'avais vu le film au moment de sa sortie en salles, nul doute que j'aurais été gêné par le très bel hommage que rend Féodor Atkine-Henri à sa beauté naissante ; aujourd'hui où j'ai largement dépassé l'âge d'Henri, je suis simplement frappé par l'hédonisme magnifique de cette scène, l'une des plus belles du film et qui donne envie d'aller faire plus qu'un tour du côté des autres films de Rohmer.

I'll keep on holding on

2009-09-26T13:59:00.008+02:00

ça me fait bien marrer les copains bloggers qui en ont après la tyrannie du single et l'hégémonie croissante de la musique commerciale (vieille lune!). Dans leur ligne de mire, le r'n'b, les clones de Britney et tout ce qui est susceptible de se retrouver dans le Ipod de ma fille de 10 ans. Il y a 40 ans, le discours était à peine différent : il y avait les hits de surprise partie qu'on écartait d'un revers de la main condescendant et puis il y avait les vrais musiciens, ceux qu'on écoutait avec révérence. Dans la première catégorie se trouvait Matha Reeves and the Vandellas, les Shirelles, les Marvelettes . Dans la seconde, des super groupes comme The Cream ou Blind Faith (dont au passage je vous mets au défi d'écouter un seul titre jusqu'à sa conclusion). Aujourd'hui, l'esprit de sérieux qui animait de tels groupes n'a hélas pas entièrement désarmé. Il ne s'incarne plus dans un blues rock stérile et bavard (ah, qui dira l'ennui stratosphérique des solos de Clapton) mais il subsiste à travers toute une série de groupes néo folks (Arcade Fire, Fleet Foxes, Bon Iver) non dénués de qualité (soyons honnêtes) mais où semble avoir disparu toute idée de fantaisie, de surprise et aussi, avouons-le de concision. Je suis frappé en me repassant jusqu'à satiété les Complete Motown singles de 1965 ou de 1968 de constater le nombre d'idées, de "hooks" qu'on pouvait faire passer en un peu plus de deux minutes. Compositeurs, musiciens, artistes au service du "sound of young America" valaient bien les jeunes dandys du British Blues boom. Aujourd'hui, heureusement, rare sont ceux qui continuent à mépriser les phénoménaux travaux d'Hercule qui se déroulaient dans le Snakepit du 2648 West Grand Boulevard à Detroit. Cette légèreté, cette vitalité, cette urgence, elle ne venait pas de nulle part, elle était le produit du travail d'une équipe de surdoués sous la férule d'un tyran visionnaire.
Attention, ne nous mèprenons pas. Je ne cherche pas à écrire que les voies du Top 40 sont uniquement pavées d'or mais que peut-être viendra un jour où on rééditera les Sugababes, les Girls Aloud, Alicia Keys, Kanye West en leur accordant l'attention, le soin que l'on porte aujourd'hui à juste titre à ce qui fit le sel des swingin' sixties.
The Marvelettes : I'll keep on holdin'on (ce Nowhere to run à elles)
Alicia Keys : Go ahead

Reader's Digest

2009-09-07T18:59:00.007+02:00

La plupart de mes amis non-bloggers ne lisent jamais mon blog et quand ils le font, c'est souvent pour me faire remarquer qu'il faut être doté d'un ego de belle dimension pour ainsi s'épandre sur ses lubies. Répondre à un tag concernant mon rapport à la lecture risque hélas de tragiquement les conforter dans leur opinion mais sollicité par TCS et Dragibus, j'arrête de faire ma rosière.

Plutôt corne ou Marque page ?

aucun fétichisme ici : bout de papier, carte postale ou page cornée (surtout si c'est un livre de la Médiathèque)

As tu déjà reçu un livre en cadeau ?

Oui, plus d'un

Lis tu dans ton bain ?

J'ai cessé de me laver depuis que je suis en Charente-Maritime ( l'eau est au prix du lingot dans ce beau département). Donc, évidemment pas de bain!

As-tu déjà pensé à écrire un livre ?

Ecrasé par la concurrence, j'ai préféré bloguer

Que penses tu des séries en plusieurs épisodes ?

Pas trop mon truc non plus. Je ne suis pas un grand lecteur de fictions.

As tu un livre culte ?

Cette notion de culte finit par me lasser mais oui, De l'inconvénient d'être né de Cioran, définitivement.

Aimes tu relire ?

Je ne fais souvent que ça ( le passage de la mort du Grand Dauphin dans les mémoires de Saint-Simon, un recueil de critiques d'Angelo Rinaldi, la biographie de Marvin Gaye par David Ritz)

Rencontrer ou pas les auteurs de livres que l'on a aimé ?

La plupart sont morts donc peu de risques de me faire dédicacer leurs oeuvres.

Aimes tu parler de tes lectures ?

Une fâcheuse tendance à monopoliser la conversation sur les ouvrages que je suis en train de lire

Comment choisis-tu tes livres ?

Très sensible à une bonne critique, à un conseil d'ami et surtout en fonction du genre (énormément de biographies, de livres d'Histoire, pas mal d'essais et des classiques) et de l'auteur.

Une lecture inavouable ?

Inavouable à qui ? Disons Esparbec. Je me vois mal parler de La pharmacienne à ma mère.

Livres empruntés ou achetés ?

Achetés d'occasion pour la plupart

As tu abandonné la lecture d'un livre ?

Oui, des tas. surtout si le style ne m'accroche pas...

Quel est ton dernier achat ? (Bonus)

Sweet soul Music (Peter Guralnick)

Real women have curves

2009-09-03T18:58:00.005+02:00

On en parlait entre nous depuis des années mais on n'osait plus y croire. Tandis que la mode s'abandonnait sans scrupule aux corps décharnés de brindilles anorexiques, l'espoir de revoir en couverture de Vogue ou de Cosmopolitan des femmes réelles et non de morbides hologrammes s'amenuisait de jour en jour. Nous en étions là de notre désir de chair, obligés de guetter en loucedé les apparitions de Sophie Guillemin, d'America Ferrara ou de la délicieuse Emilie Dequenne.
On pensait qu'on avait laissé les hanches de Marylin et le buste de Kim Novak Rue des Morillons pour toujours mais on avait tort. Glamour édition US a osé l'impensable : il a affiché le corps magnifique de Lizzie Miller en page 194, un corps de femme et pas de petite fille, un corps sans retouche avec des stries, des pleins et des déliés. Le magazine a reçu un courrier phénoménal mais le plus beau, c'est la réaction de Lizzie à cette déferlante de mails : " "When I read them I got teary-eyed!" she says. "I've been that girl, flipping through magazines trying to find just one person who looked a little bit like me. And when I didn't find it I would start to think there's something wrong with the way that I looked. When J. Lo and Beyoncé came out and were making curves sexy, I started to accept myself more. It's funny, but just seeing them look and feel sexy enabled me to do the same."
J'ai toujours pensé qu'il y avait chez beaucoup de créateurs et de stylistes une véritable rejet pour le corps des femmes (et qu'on ne me taxe pas d'homophobie, please!). Les choses vont peut-être désormais changer...

James Jamerson - A tribute

2009-08-13T13:26:00.005+02:00

Regardez bien la photo du type ci-dessus : vous ne le connaissez pas et pourtant, je suis sûr à 100 % que vous l'avez déjà entendu jouer. Avec ses amis, les Funk Brothers, James Jamerson a joué sur plus de numéros 1 que les Beatles, Elvis et les Stones réunis. Dans Standing in the shadows of Motown, le documentaire passionnant bien qu'un peu impersonnel que Paul Justman a consacré aux musiciens du mythique Studio A de Motown, la plupart des jeunes habitants de Detroit (pourtant, eux, devraient savoir) citent Stevie Wonder, Marvin Gaye, Smokey Robinson comme musiciens majeurs issus de Hitsville mais se montrent incapables de dire qui étaient Earl van Dyke (claviers), Bennie Benjamin (batterie) ou Jamerson. Ces types ont pourtant une responsabilité primordiale dans la naissance du son Motown mais il a fallu quasiment attendre la sortie de ce film (2002) pour que les survivants aient leur part de renommée (Hélas, Bennie"Papa Zita" était mort en 1969, Eddie "Bongo"Brown en 1984 et Jamerson en 1983). Le film laisse clairement entendre que de tous ces musiciens hyper doués, le plus novateur, le plus prodigieux fut Jamerson (que ceux qui doutent de mes dires aient la curiosité d'écouter les trois monstrueuses introductions proposées ci-dessous). Il a étendu le rôle de la basse comme peu avant lui et j'ai tendance à croire le producteur David Axelrod lorsqu'il parle de Jamerson comme du "greatest electric bass-player of all time " et lorsqu'il ajoute "The bass is always the foundation of any really great song, you must always have a good bass-line going in a song for it to work".
Miné par l'alcool et le manque de reconnaissance de Motown (il faut ici rappeler que son nom n'apparut sur une pochette de disque qu'en 1971 avec What's Going on), les dernières années du Funk brother number one furent une lente descente aux enfers. Le 25 mars 1983, il est obligé d'acheter des billets sous le manteau pour assister à la soirée télé commémorant le vingt cinquième anniversaire de Motown. Anonyme parmi les anonymes, il assiste à cette pénible soirée d'autocongratulation et de mesquines rivalités (Diana Ross ne supportait pas d'avoir autant de plans de coupe que Mary Wilson et Cindy Birdsong). Pas un mot ne sera dit sur lui et sur tous les fabuleux musiciens qui furent la gloire de Detroit. Cinq mois après, il décédait d'une cirrhose.
Intro n°1
Intro n°2
Intro n°3

Inexcusable

2009-07-24T22:21:00.012+02:00

Peter Guralnick s'est fait connaître par une série d'ouvrages fort documentés sur le blues, Elvis et, c'est le sujet qui nous occupe aujourd'hui, la Soul Music. Guralnick est un érudit au meilleur sens du terme, c'est à dire qu'il ne laisse jamais oublier le fait qu'il demeure avant tout un passionné. Maintenant que ces choses sont dites, reconnaissons aussi qu'il n'est qu'un bon journaliste, largement surclassé, pour rester dans une sphère approchante, par un Nick Tosches (Unsung heroes of rock'n'roll répondant à Lost Highway, deux ouvrages sur le rockabilly si cher à l'ami Civil) qui montre une fantaisie, une drôlerie, une vacherie même dont Guralnick semble singulièrement dépourvu.
Dans Sweet soul Music, Guralnick entreprit de retracer l'âge d'or du rhythm'n'blues, des premiers pas de Brother ray à la mort de Martin Luther King. Outre qu'on peut trouver bizarre de circonscrire l'histoire de la Soul Music aux années 60 (quid du Philly sound ?), l'omission scandaleuse du Motown sound me reste totalement en travers de la gorge. Ecrire une somme de 440 pages sans évoquer une seule fois le nom de Berry Gordy ou des Funk Brothers vous disqualifie irrémédiablement lorsqu'on prétend dresser un portrait exhaustif de la soul sixties ( même si Guralnick a pris soin de sous-titrer son livre Rhythm and blues and the southern dream of freedom). Alors, pour ne pas instruire uniquement à charge, écoutons Peter Guralnick se justifier dans son introduction : "Southern soul music developed out of a time and a set of social circumstances that are unlikely to be repeated. I suppose I should make it clear from the outset that when I speak of soul music, I am not referring to Motown, a phenomenon almost exactly contemporaneous but appealing far more to a pop, white, and industry-slanted kind of audience (Motown's achievement, said Jerry Wexler, was "something that you would have to say on paper was impossible. they took black music and beamed it directly to the white American teenager"). Voilà comment, d'un simple revers de la main, l'auteur de Last train to Memphis se débarasse du label qui a sans doute le plus fait pour la diffusion universelle du mot soul. Le crime de Motown? S'adresser au public blanc avec les moyens des blancs mais Ray Charles faisait-il autre chose en enregistrant Modern sounds in country and western music ou Otis Redding en chantant à Monterrey. J'en doute... De la même façon, aux accusations perpétuelles de bleaching et de blemishing dont Tamla fait l'objet, on aimerait suggérer à Guralnick de réécouter attentivement les formidables anthologies A cellarful of Motown qui prouvent assez que, bien qu'adepte d'une certaine sophistication, le label de Detroit savait aussi se montrer violent et indomptable. C'est Philippe Garnier qui dans un article mémorable de Rock'n'folk (juin 1975) rappelle le côté "positivement hystérique" des Contours et les stridences des disques Tamla dus à ce "mix si reconnaissable qui rehaussait tous les aigus". Non, Martha Reeves sur Heatwave n'était pas moins raunchy qu'Etta James et Levi Stubbs pas moins gritty que Wilson Pickett.
Ce que les puristes blancs ne pardonnent pas à l'entreprise de Berry Gordy, c'est d'être sorti du ghetto, d'avoir infiltré le mainstream pop et surtout d'avoir eu du succès sans que le critère ethnique soit le critère déterminant. Et si Motown a effectivement dessillé toute une génération de baby-boomers WASP (il faut lire à ce sujet le très chouette édito d'Iggy Pop dans le numéro 183 de Mojo ), il l'a fait sans excessive compromission, avec une énergie, une constance dans la qualité et un sens de l'identité sonore qui encore aujourd'hui en font le plus grand label de toute l'histoire de la musique soul .

Sonic hisse le drapeau noir

2009-07-14T20:42:00.004+02:00

Ceux qui me lisent ne seront pas surpris d'apprendre que les Francofolies, bien qu'habitant tout près de La Rochelle, ce n'est pas vraiment mon truc. Les vendeurs de colifichets, les baraques à frite, les cohues estivales et les cracheurs de feu ont depuis pas mal de temps déjà tendance à me faire fuir. Et la programmation est le plus souvent au dessus de mes forces, coïncidant avec cet esprit "enfoirés" qui corrompt tout sur son passage. Benabar, Olivia Ruiz, Tryo, les mots me manquent pour décrire le peu d'affinités que j'entretiens avec ce type d'artistes.
Dans ces conditions, il n'est donc pas étonnant qu'en douze ans de présence charentaise, je n'ai participé que deux fois au festival qui réjouit tant la jeunesse rochelaise. La première fois, je préfèrerais la passer sous silence (un vrai moment d'égarement) et la deuxième fois, c'était vendredi dernier au théâtre Verdière, Coeur de pirate. Combattant une agoraphobie qui devient de plus en plus handicapante, je me suis résolu à voir sur scène celle dont je dois l'heureuse découverte à Filles sourires et à Erwan. Après une heure d'attente, des vigiles mal embouchés nous laissaient nous placer à proximité immédiate de la scène (deuxième rang). Mais hélas, notre patience ne fut guère récompensée, Béatrice en s'asseyant au piano ne nous laissait entrevoir d'elle que son cou et ses jambes (qu'elle a d'ailleurs très fines).
Malgré ces limites visuelles, difficile de ne pas succomber au charme de la jolie québecquoise. Sa voix était loin d'être parfaite, le micro accentuant les chuintements de sa diction, mais la fluidité de son jeu au piano, la malice de son personnage et la qualité des compositions (mention spéciale pour Fondu au noir, que j'aimais déjà beaucoup) m'ont fait applaudir sans retenue (et Matthieu qui ne la connaissait pas dut lui aussi céder les armes). On peut certes regretter que le public (à la demande du guitariste je le concède) se sente obligé d'applaudir en cadence : cela vous donne une impression détestable de spectacle de patronage. Deux nouvelles compositions (Place de la République et Loin d'ici chanté assise sans micro et sans quasiment reprendre son souffle) montrent assez que Coeur de Pirate n'est pas un engouement éphémère et qu'on peut attendre sans crainte son sophomore album.
Hélas, au tonnerre d'applaudissements mérités qui suivit la sortie de scène de Coeur de Pirate succèda une artiste qui se fait appeler Luciole, une Anaïs bis qui aurait trop lu Prévert. Verbeuse, impudique, nous jetant à la face ses sentiments comme d'autres leurs postillons, elle s'étonna de voir le public si peu réceptif à ses incantations. Au lieu de mettre cela sur le compte d'une digestion tardive du public présent, elle aurait pu avoir la sagesse de comprendre qu'après une prestation comme celle de Béatrice Martin, le profil bas était la seule posture possible.

A l'abordage

2009-07-10T17:34:00.002+02:00

Béatrice a eu la gentillesse de nous accorder cette photo quelques minutes avant le concert de ses premières Francofolies. Matthieu était derrière l'objectif. Qu'ils soient, lui et elle, ici remerciés. De plus amples détails sur le concert en milieu de semaine prochaine !

Let's all play !

2009-07-05T16:58:00.004+02:00

A quels albums appartiennent ces images ? Un point par titre correct !
1.
2.
3.
4.
5.
6.

When will he shut up about Motown ?

2009-07-01T07:12:00.004+02:00

Avant de vous parler de disques plus récents, j'aimerai vous signaler l'interview que j'ai accordée à Daniel de Next. Ce fut un plaisir de répondre à ses questions et j'espère bien prolonger l'expérience avec une émission conjointe cet automne. Passionné, savoureux, lapidaire aussi parfois, Next est un blog qui compte pour moi.
Un autre blog qui compte et dont je suis l'un des fans de la première heure, c'est A Tombouctou sans Mariachis. Bon, mais voilà avec Coolbeans qui est pourtant un des rares types qui ne vous font pas désespérer de l'espèce humaine, on a un différend. Pour lui, la place des filles dans la musique pop, c'est soit au premier rang en train de glapir, soit backstage pour rendre de menus services. Au mieux, ce sont des accessoires, au pire, des " manipulatrices intéressées " (je cite le Cool' dont la mauvaise foi est aussi un des charmes de son blog). Il va sans dire que je suis dans une posture exactement inverse. Je fais partie de ces naïfs qui n'en auront jamais fini avec le " mystère féminin ". Alors, pour comprendre, j'ai besoin d'explorer. Et j'explore. Dusty, Tammi, Florence, ce sont mes initiatrices auxquelles j'ajoute désormais le nom de Kim. Kim Weston, l'une des premières partenaires de Marvin mais aussi une soliste admirable. Comme sur cette rare face B de 1965.
Kim Weston : Go ahead and laugh

Heaven must have sent him I know

2009-06-28T23:14:00.005+02:00

C'est parce que je n'aime rien tant que le passé que je déteste les commémorations. Ces cérémonies, appelez-les bicentenaires ou jubilés, ne me semblent avoir pour raison d'être que de tirer un trait. Un trait définitif sur un passé révolu ou sur une cause perdue. Les hommages, c'est du formol pour endormir ce qui vit encore du passé. Une journée pour untel, un hommage compassé et puis on peut revenir à Christophe Maé et Secret story. Parler d'Elvis le 16 août ou de Marvin le premier avril me ferait l'effet de balancer sur leur tombe une pelletée de terre supplémentaire. Je refuse de ne parler des morts qu'à la Toussaint. D'ailleurs, je préfère les myosotis aux chrysanthèmes.
Motown, elle aussi hélas sacrifia à cette vilaine manie de l'hommage et de l'autocélébration. En 1983 (bizarrement car le label ne commença son existence qu'en 1959), le 25 mars, le label des Supremes organisa un concert pour son quart de siècle. Berry Gordy tentait de faire croire que Motown n'avait jamais cessé de constituer une grande famille alors que Michael Jackson, Marvin Gaye et tant d'autres étaient partis tenter leur chance ailleurs. Au milieu des effusions programmées et des discours compassés, Marvin rappella à tous la vacuité des fausses réconciliations et la pérennité du génie. Cela devait être sa dernière apparition télévisée.

T'aimes la Motown ?

2009-06-20T15:20:00.009+02:00

1966, 1967, mon coeur balance. Quelle année choisir comme absolu sommet de la musique pop ? Natif de 1967, j'aurai tendance à privilégier le 7 qui conclue tant d'années fructueuses (de Buddy Holly aux House of love), qui voit Beatles, Kinks, Otis Redding à leur sommet créatif. Mais voilà, j'ai aussi tout fait pour épouser une femme qui soit née en 1966, l'année de Pet Sounds et de "Reach out I'll be there". 1966, c'est une année de prémices heureuses, d'expérimentations joyeuses. 1967, c'est une année d'achèvements formidables mais aussi de sauts dans l'inconnu. Alors, en vrai normand, je peine à me décider.
Chez Tamla Motown, on retrouve la même dichotomie entre ces deux années mais dans une perspective quelque peu différente. 1966, c'est l'apogée créatrice, l'hégémonie du trio HDH, les charts américains vampirisés et le plus grand single de l'histoire de Motown, pour ne pas dire plus. 1967 est au contraire une année de doutes, de transition : Marvin paresse, n'enregistrant que quelques sessions avec Tammi Terrell (mais quelles sessions : Your precious love et Ain't no mountain high enough), Florence Ballard est contrainte à la démission et Brenda Holloway, dramatiquement sous-employée. Parallèlement, Detroit s'embrase (43 morts lors des émeutes de juillet) et le mouvement des droits civiques s'étend à travers tout le pays. Berry Gordy, qui a tellement oeuvré pour battre les blancs sur leur propre terrain a dans un premier temps du mal à intégrer une dimension politique à son Sound of young America. Il embraye tardivement sur le mouvement (en 1967, je ne vois vraiment que"Reflections" des Supremes en accord avec l'époque). De même, les plus grands pourvoyeurs de hits pour Tamla quittent la maison en 1967 (prémonitoire, Chris Clark (dont je vous ai déjà dit là le plus grand bien), une semaine après le dernier single certifié HDH pour les Four Tops, chante "The beginning of the end") . Alors, si en 1967, Motown n'est peut-être plus aussi hip et indépassable qu'en 1966, il est difficile de nier le bouillonnement créatif encore à l'oeuvre à Hitsville et l'incroyable accumulation de talents autour de Gordy. 1967, un chant du cygne plus qu'honnête avant la métamorphose psychédélique et la politisation du tournant de la décennie.
Les fans hardcore (j'en suis) ou les amateurs fortunés peuvent avoir un large aperçu de cette période en s'appropriant le luxueux coffret Complete Motown singles 1967. Ce coffret, et c'est le seul hic, donne envie de mieux maîtriser les années précédentes et de savoir quelle année est vraiment le meilleur cru.
P.S : si vous êtes curieux de savoir ce que Florence Ballard est devenue après son départ des Supremes, rendez-vous sur Radio College lundi à 19h00

Comme leur nom l'indique

2009-06-10T14:02:00.009+02:00

Pour de nombreux exégètes du Motown sound , la fin de la période dorée du label de Detroit coïncide avec le départ du trio magique (Holland-Dozier-Holland) (début 1968). L'invraisemblable palanquée de hits concoctée par ces trois-là n'a, il est vrai, guère d'équivalent dans toute l'histoire de la musique populaire en qualité comme en pérennité (Je vous fais grâce de tous les artistes qui à un moment ou l'autre de leur existence se sont servi de leurs compositions pour relancer leur carrière moribonde). Certains autres remontent même au moment fatidique où Diana Ross exigea de Berry Gordy (tout de sucre devant Lady Di) de rebaptiser son groupe Diana Ross & The Supremes (fin 1966) pour dater le début de la fin. Pas besoin d'avoir lu Antony Beevor pour savoir que c'est la vanité qui toujours précipite les plus grands desseins dans l'abîme. Les Supremes ne résisteront pas à cette modification sémantique et Diana Ross quittera rapidement le navire, laissant le groupe dériver jusqu'à sa dissolution en 1977. Motown n'a jamais été connu pour être redevable de son succès à aucun de ses protégés et laissera mourir Florence Ballard, l'une des authentiques Supremes (ce fut sans doute elle qui choisit ce nom) , dans la misère la plus noire. Comme les Four Tops, Les Supremes ont été négligés par le Tycoon of black teens dès lors que le succès n'était plus aussi incontesté. Dans ces conditions, il n'est donc pas vraiment étonnant que Tamla ait été plutôt pingre en matière de réédition des dernières oeuvres de Diana avec le groupe qui la fit connaître. De Love child (le dernier numéro 1 des Supremes, au printemps 1968) à leur dernière apparition publique au Ed Sullivan Show, le 21 décembre 1969 s'étend un véritable trou noir dans la réputation du groupe alors qu'elles parvinrent, mine de rien à placer pas moins de 8 singles dans le Top 50 et cinq albums dans le Top 40. Un déclin somme toute relatif mais qui ne peut se comprendre qu'au regard de la faramineuse brochette de numéros 1 de 1964 et de 1966 (où seuls les Beatles jouaient dans la même cour). Parmi les singles post Love child, connus seulement des vrais addicts se trouve un petit bijou permettant d'expliquer en partie la désaffection dont souffrit les Supremes à la fin des sixties: I'm living in shame. Les Supremes devant une partie de leur succès au fait qu'elles surent faire oublier leur appartenance ethnique, l'affirmation du "black is beautiful" les trouva le séant entre deux chaises. Trop "blanches" pour plaire aux tenants du black power , trop "noires" pour pouvoir intégrer d'un coup le circuit Mainstream où s'illustreront notamment les Carpenters. Sur ce titre, signé Harvey Fuqua et Johnny Bristol (entre autres), on sent une volonté un peu artificielle de se mettre au goût du jour (la narratrice regrette d'avoir coupé les ponts avec son milieu d'origine, glauque et fauché), de surfer sur la crête du succès des Temptations (plus connotés afro américains que les Supremes) et pourtant, malgré ce côté plaqué du texte, le titre se révèle un enchantement. Peut-être parce que les vieilles recettes fonctionnent encore (le xylophone au refrain, la rythmique démoniaque en intro, le parfait contrôle du vibrato d'une Diana plus sophistiquée que jamais) et aussi parce que la future héroine de The Wiz qui avait pourtant les yeux braqués sur sa future carrière solo semblait alors bien incapable de délivrer une performance simplement moyenne. L'excellence était son ordinaire.
Diana Ross & The Supremes : I'm livin' in shame

Le grec et moi

2009-06-05T22:32:00.007+02:00

Les Alain Badiou de la critique indé me frapperont sans doute d'anathème mais je me dois de passer à la récidive. Après un coming out passé largement inaperçu, je déclare à nouveau ma flamme à l'Adonis de Kingston Road. Je croyais sottement que mon engouement pour le grec était une affaire classée, qu'il appartenait à la liste de mes multiples foucades sans lendemain mais force est d'avouer à mes lecteurs que j'ai replongé. Oui, je sais qu'il fut pote avec Elton John au point d'enregistrer un duo ensemble (très oubliable, je sais aussi), qu'il a jammé avec les rescapés de Queen (plus glauque, tu meurs!) et que son duo avec Aretha est à peine moins hépatique que la purge Montserrat Caballé-Freddy Mercury (c'est marrant, Barcelona, ils nous l'ont pas joué pour la finale de la Champions League!). George Michael a faux sur toute la ligne (look, gestion de carrière, relations avec ses maisons de disque) mais il a ce que Bon Iver, Julian Casablancas ou Evan Dando pourront toujours rêver de posséder : un trésor dans la gorge! Franchise de l'émission, facilité du passage, chaleur du timbre: George est un immense chanteur, un des seuls à pouvoir s'attaquer au repertoire de Bing Crosby sans passer pour un bouffon (reprise fabuleuse de Brother Can you spare a dime sur Songs From the last Century).
C'est en préparant mon émission de lundi sur Listen without prejudice vol.1 que j'ai replongé. L'enchaînement des trois premiers titres (Praying for times, Freedom 90, They won't go when I go) m'a rudement secoué. et je me demande même s'il ne s'agit pas de sa plus grande réussite. Le seul bémol que j'y mettrai, c'est ce vilain son de guitare acoustique qui hélas déparera aussi Jesus to a child sur Older. Et puis ces textes prêchi-prêcha (n'a jamais été son fort, les lyrics) comme du Lennon mal digéré (une façon sans doute de se faire pardonner Credit card baby). La suite, plus convenue, baisse un peu en intensité malgré de beaux éclairs de Torch singer sur Cowboys and angels et un bel os à ronger sur la face B, Mother's Pride.
Ceux d'entre vous qui ont eu la patience de m'écouter pérorer sur Britney peuvent donc se brancher sur Radio collège lundi soir vers 19h00 ou aller faire un tour un peu plus tard ici. Menacez-moi du goulag mais, de grâce, pas avant d'avoir écouté l'émission !

Où est Paul ?

2009-05-24T19:45:00.005+02:00

J'ai déjà dit ici combien j'étais sensible aux romans graphiques, en particulier ceux de Daniel Clowes et d'Adrian Tomine mais l'auteur avec lequel je me sens le plus d'affinités, c'est Michel Rabagliati. La saga de son double, Paul, écrit dans une langue terriblement savoureuse, me donnerait presque envie d'aller m'installer dans la Belle Province. Qu'il parle de sa tante Jeanette, de son premier job d'été, de son prof de graphisme ou de son premier enfant, on est attendri par l'honnêteté, la bonté (je sais que ça fait un peu niaiseux mais tant pis) de son alter ego et par la simplicité et la beauté des cadres dans lesquels il le fait évoluer. Au Québec, ils sont nombreux à raffoler de son univers. En France, un peu moins. C'est sans doute la raison pour laquelle Paul à Québec, le dernier opus n'est disponible que sur des sites marchands canadiens. On a vraiment hâte de pouvoir le trouver de ce côté-ci de l'Atlantique. Alors, en attendant, trois vignettes (en fait, un peu plus) que j'aime beaucoup, extraites respectivement de Paul a un job d'été, Paul en appartement et Paul à la pêche.

Si ça vous adonne, Coeur de Pirate

2009-05-20T15:42:00.012+02:00

Peut-on raisonnablement parler d'une chanteuse après que l'Express a choisi de l'évoquer sur son site Internet ? J'en doute et pourtant, il me faut revenir sur cette toute jeune chanteuse (quelques mois de plus que mon fils) qui nous gratifie d'un disque terriblement envoutant malgré une palanquée de défauts qui chez d'autres seraient parfaitement rédhibitoires (une diction limite, une certaine uniformité de climats (de petites ritournelles au piano progressivement étoffées par un orchestre) et des textes qui flirtent souvent avec l'écriture automatique (le premier couplet d'Ensemble...)). Mais voilà, toutes ces réserves s'effacent devant le charme ravageur de la jolie Béatrice Martin. Comment ne pas succomber devant tant de naturel, devant ce mélange de candeur désarmante (Berceuse) et et de blessures indicibles (Corbeau), devant ce timbre acidulé et ces mots qui sonnent par moments si juste (pour un infidèle). Même cette émission dans les joues devient un blason pour la postérité (comparez avec les artifices et le manque de naturel du premier single d'Amandine Bourgeois pour saisir ce qui différencie une artiste d'une contrefaçon faisandée). La réussite la plus prometteuse ne se trouve pourtant pas sur ce premier disque mais sur un sampler Inrocks (merci mon Gui), c'est ce duo avec Julien Doré (Jimmy Hunt ne peut tout simplement pas rivaliser avec le mentor du Jean D'Ormesson disco suicide), Pour un infidèle, l'alliance parfaite du roué et de la fausse ingénue, de la corruption et de l'insouciance.
P.S : A écouter en relisant Paul à la pêche et en attendant la sortie imminente de Paul à Québec (jusqu'à quand les lecteurs français de Rabagliati vont-ils être privés de cette formidable bouffée d'humanité?)

Who's got talent ?

2009-05-01T21:35:00.004+02:00

Il y a un truc épatant dans le métier de prof', ce sont les voyages linguistiques surtout s'ils se situent de l'autre côté du Channel ou outre-Rhin. Cette année, j'expérimentai la banlieue sud de Londres avec une bonne cinquantaine d'élèves (tous presque aussi anglophiles que votre serviteur) et ce fut impeccable. Le seul inconvénient (réglons ça tout de suite), c'est la rémunération des familles d'accueil (un véritable business à Mitcham, là où nous crêchions) qui ne remplacera jamais un échange en bonne et due forme (chose hélas difficile à mettre en place) . Le deuxième soir, j'étais hebergé avec un collègue chez une adorable anglaise excentrique comme je les aime et la discussion vint tout naturellement sur la prestation de Susan Boyle sur Britain's got talent. Mon hôtesse ne tarissait pas d'éloges sur le charisme vocal de cette écossaise "plumpy". Au vu de la prestation de Susan et des réactions du jury (plus attendus et expressionistes, tu meurs), j'étais curieux de pouvoir écouter ça au calme chez moi (car Mrs Drake, aussi charmante fût-elle, ne cessait de commenter les rediffusions de cet "événement"). Las, et après écoute attentive, le problème est toujours le même. Susan Boyle a beau avoir un réel talent pour projeter les notes et une certaine ampleur dans la voix, le vibrato est rédhibitoire et le chant, tout de même bien plébéien. Et puis, et j'allais dire surtout, il ne suffit pas d'avoir toutes les notes, il faut aussi ne pas se tromper de répertoire. Susan Boyle a choisi I dreamed a dream, un extrait d'une comédie musicale minable, The Miserables d'un dénommé MacKintosh qui est à Cole Porter ce que le Kiravi est au Saint Joseph. Un triste travesti des grandes heures de Broadway. Pour resplendir, il faut mettre le soin le plus extrême dans le choix des reprises et des compositeurs. Aussi versatile soient-ils, Dusty Springfield n'a jamais repris Hair et Rufus Wainwright ne s'est jamais lancé dans Cats. C'est toujours un leurre de croire que la qualité vocale seule suffit. Aretha Franklin et Joe Cocker se sont perdus dans les années 80 en chantant à peu près n'importe quoi alors que des chanteurs limités avec des arrangements et des choix soignés ont pu aisément faire la différence (au hasard, Sexton Blake ou dans un genre totalement différent, Diana Krall période All for you).

P.S (qui n'a rien à voir) : IBT est de retour et... c'est bon !

To begin with

2009-04-20T19:00:00.005+02:00

Je reste interdit quand je vois le peu de considération dont jouit l'oeuvre de Frank Sinatra en France. Une oeuvre qui court sur plus de 50 ans qui compte plus de chefs d'oeuvre que peuvent en contenir les carrières de Bowie, Dylan et Springsteen réunies (trois admirateurs avoués) et qui souvent se résume à trois misérables titres : Strangers in the night, My way et New York New York.
Le plus grand chanteur américain du vingtième siècle (du moins à mon goût) n' apparaît ni dans les playlists jazz (pas assez puriste), ni dans le Rock'n'Roll Hall of fame (ce qu'il n'aurait d'ailleurs guère goûté) et malheureusement ni non plus dans l'excellent Playlist pop-rock d'El Mariako. Avec Marvin Gaye (présent ici), c'est sans doute l'absence la plus douloureuse mais on flirtait là dangereusement avec le hors-sujet (et puis, admettons-le, ses titres cross-over sont ce qu'il y a de plus dispensable dans son immense catalogue). Alors, plutôt que d'attendre une version extended de Playlist, je me permets d'aller piocher 10 trésors dans une oeuvre (on est bien d'accord) qui en compte des centaines et des centaines et de vous les proposer à l'écoute en 2 fois 5 titres.
Je vous propose une sélection en accord avec la chronologie car la voix du Chairman n'a cessé d'évoluer des premiers rouleaux enregistrés avec le Big Band d'Harry James (1939) aux duos pathétiques gravés au crépuscule de sa vie (1993).
1. I'll be seeing you (1941 ou 1942 ?)
Francis Albert fait ses crocs sur les orchestrations de Tommy Dorsey. L'ombre tutélaire de Bing Crosby n'est pas encore effacée mais le charme est déjà là et les Bobbysoxers se pâment.
2. I concentrate on you (1944)
Swoonatra au faîte de sa période Columbia : splendeur du timbre, rigueur de la diction, passage de rêve. Les G.I's écument de jalousie.
3. I'm a fool to want you (1951)
Ava fait de Frank sa créature et The Voice devient en moins d'une année un has been à l'agonie. Columbia lui fait enregistrer des horreurs (Mama will bark) mais aussi son premier absolu chef d'oeuvre. Alors, après, version Stordahl (ici) ou Jenkins? Les fans continuent de s' entredéchirer.
4. Laura (1957)
Frank transfigure le thème du film de Preminger (songeait-il dans le studio à Gene Tierney?) en prodiguant une leçon de chant à écouter à genoux. Et Jenkins signe un arrangement superlatif (les premières mesures sont à tomber)
5. Around the world (1957)
Billy May se hisse à la hauteur de Nelson Riddle et de Gordon Jenkins sur ce petit bijou signé Adamson/Young. Frank laisse la concurrence (Tormé, Hartman, Haymes) loin derrière.

On the radio

2009-04-05T11:22:00.003+02:00

Je rappelle à mes fidèles lecteurs qu'on peut aussi m'entendre sur mon blog radio déclarer ma flamme à Richard Anthony pour son Richard à Londres de 1965. Lundi prochain, ce sera au tour de Leon Ware d'avoir les honneurs d'Unknown Pleasures puis les London Cowboys et Nana Mouskouri pour le disque dont je vous entretiens ci-dessous.
Je vous rappelle aussi qu'il reste deux points à gagner (un sur le blind-test Richard Anthony, le morceau 4 et une pochette Sarah records à retrouver) dans l'interminable jeu commencé en septembre.
Bon dimanche à tous !

The girl from Greece sings [1962]

2009-03-28T08:36:00.011+01:00

Qui eût cru que Nana puisse faire jeu égal avec Julie London sur No moon at all ? Qui eut cru cela possible, Nana rivalisant avec les meilleures chanteuses américaines du Great american songbook ? Et non, Nana, ce n'est pas que cette atroce adaptation du choeur des esclaves de Nabucco, ce n'est pas que l'enfant au tambour chanté indifféremment en allemand, en japonais et en araméen ! C'est aussi une chanteuse douée qui aurait pu donner un tour totalement différent à sa carrière si elle était restée auprès de Quincy Jones, son premier mentor. C'est lui en effet qui la fit venir à New York pour enregistrer The girl from Greece sings.*
Nana, Krapulax, le cinéphile enragé, guest star du blog de Mariaque m'en avait déjà parlé, pointant des qualités dont j'étais loin alors de me douter. Et puis je suis tombé sur ce disque et j'ai pris une méchante claque. Vibrato contrôlé (ce qu'hélas, elle perdra assez vite), phrasé impeccable, timbre chaud et vibrant, passage royal, Nana nous fait d'un coup oublier sa version sulpicienne de Farewell Angelina et des roses blanches de Corfou passablement fanées. Et puis les arrangements sont d'une élégance intemporelle. Ce disque mérite absolument votre attention, tout en sachant qu'il fut suivi trois ans plus tard d'un Nana sings Bobby Scott qui à mon avis devrait valoir aussi son pesant de moussaka! Et quelle pochette, mazette !
* : On vous en parlera bientôt sur Unknownpleasures. En attendant, ne ratez pas celle de lundi prochain consacrée à un album surprenant, Richard à Londres.

Nana Mouskouri : No moon at all

Do you know Pascal d'Huez ?

2009-03-19T10:29:00.002+01:00

Drew goes to Boston

2009-03-11T19:43:00.012+01:00

J'aime le football. Aujourd'hui plus qu'il y a vingt ans, l'engouement de mon fils y étant évidemment pour quelque chose.
J'aime le football, le spectacle comme le jeu. Hélas, ce n'est pas vraiment réciproque. Mon niveau de jeu est à peine supérieur à celui du jeune Jean-Claude Tergal.

Pourtant, je m'accroche et tente (vainement) de justifier ma place d'avant-centre intérimaire du F.C Saint-Christophe (section vétérans). Ce goût du ballon rond, nous sommes nombreux à le partager dans la blogosphère (Coolbeans, Mariaque, Erwan et bien d'autres) et j'en connais même certains ( les mêmes qui s'abonnent à So Foot et sculptent la statue de Vikash Dhorasso) qui considèrent Fever pitch de Nick Hornby comme le parfait bréviaire du fan de foot indé . J'aime bien l'auteur de 31 songs mais j'avoue ne pas m'être encore plongé dans la lecture de Carton jaune. Sans doute pas assez fan d'Arsenal pour ça (Ah, s'il avait choisi Liverpool ou l'ASSE, je dis pas!)). Mais, en consultant la filmographie de Drew Barrymore, je me suis rendu compte qu'elle avait tourné dans une adaptation du bouquin sous la direction des frères Farelly. Mon sang n'a alors fait alors qu'un tour : Drew + Farelly Bros + Football = Bingo!
Las, le film étant destiné prioritairement au marché américain, le soccer fut remplacé par le base ball. Le Nick Hornby, ils ont du lui proposer un sacré paquet d'oseille pour qu'il accepte de substituer les Boston Red Sox aux Gunners. Car, même un home run des familles, je ne vois pas comment ça peut équivaloir un beau passement de jambes ou un retourné acrobatique. Ne boudons pas cependant le plaisir qu'on eut à retrouver Drew dans un film qui se situe quand même cent coudées au dessus de Never been kissed before. Ce n'est pas me myself and Irene, ni même Shallow Hal, la fantaisie des frères Farelly semblant souvent bridés par l'univers très codé du base ball. Mais il y a là une une humanité qui fait souvent défaut aux autres screwball comedies (les frangins ont une vraie tendresse pour les gens qu'ils filment) et des personnages principaux qui tiennent la route. Sur un canevas pas vraiment original (en gros, comment concilier une monomanie aliénante et un engagement amoureux conséquent), Fever pitch déroule une romance sans trop de chichis (si on fait l'impasse sur un trio de copines un peu trop chick flick à mon goût) avec un joli climax amoureux(Ben fait griller des saucisses pour sa fiancée (Freud, retiens-moi)) et un final réjouissant (oh, Jack Kehler!) bien qu' un peu over the top. Quant à Drew, sans qui (soyons honnêtes) je n'aurai même pas eu l'idée de visionner ce film, elle est adorable, pétulante, girl next door en diable et ce n'est pas le moins important parfaitement juste et crédible (à quelques mimiques près).

Am I through with Drew ?

2009-03-06T06:54:00.005+01:00

Drew Barrymore fait partie des quelques actrices américaines dont je traque la présence avec avidité. Petite, potelée, le nez en trompette, elle a beaucoup d'atouts dans son jeu. Pourtant, je suis régulièrement déçue par ses apparitions à l'écran. En fait, à part Donnie Darko (encore y tenait-elle un rôle secondaire), Everyone says I love you et Charlie's angels, je trouve sa carrière souvent décevante et ses prises de risque très limitées. J'aurai grand plaisir à la voir parader dans des comédies débridées . Elle a plus à voir à mon avis avec la loufoquerie des frères Farelly (elle eut été parfaite dans Me, Myself and Irene) ou le régressif décomplexé du clan Appatow qu'avec l'univers très flick chick de 50 first dates et surtout de Music and lyrics. Qu'a-t-elle été faire dans cette comédie sentimentale poussive où son rôle se limitait à servir la soupe à un Hugh Grant en roue libre ? Pas un second rôle savoureux (à la Rhys Infans dans Notting Hill), pas un moment qui ne soit attendu, convenu. Le film fait peine à voir. On reste malgré tout jusqu'au bout. Pour Drew (même si dans ce film, il nous a semblé (horreur!) que son débit vocal était aussi exaspérant que celui de Teri Hatcher dans DH). Et puis aussi pour Adam Schlesinger, le bassiste des Fountains of Wayne qui signe le score du film. Ce type excelle dans le pastiche. Il est aussi brillant ici (un subtil démarquage de Wham et de Duran Duran) qu'il le fut dans That thing you do. Sa pop synthétique et sucrée sauve le film du naufrage complet. Elle lui permet même un vrai instant de grâce, lorsque Drew, improvisée compositrice de lyrics, chantonne Way back into love avec Hugh Grant. Pas que ses prouesses vocales (elle chante pour de vrai et lui aussi (pas mal d'ailleurs!)) fassent grimper au plafond mais le mélange de douceur et de gaucherie qu'elle y met m'enlève temporairement tout sens critique.
5 minutes en apesanteur sur un film qui en compte 100, c'est pas bézef mais c'est toujours deux de plus que dans Never been kissed before (1999), autre nadir dans la filmographie de l'ex Gertie d'E.T. Et encore ces deux minutes-là ne lui sont-elles pas vraiment dues. Elle y est éxécrable en journaliste undercover dans une High School de Chicago (pas une once de crédibilité, des mimiques pour seul registre dramatique et une costumière à faire monter sur l'échaffaud). Non, le seul moment qui ne fait pas rougir de honte, c'est lorsque le sound designer se souvient de la trilogie teen movie de Hugues avec Molly Ringwald et nous balance en pleine prom night Please please please let me get what I want des Smiths (et oui, exactement comme dans Sixteen Candles). Et puis on ferme les yeux et on se souvient que les plus délectables teen movies américains tiraient leur force de B.O riches des heures glorieuses de la pop britannique (Pretty in Pink des Psychedelic Furs dans Pretty in pink, Don't you forget about me dans The Breakfast club) alors qu'ils auraient tout aussi bien pu s'abreuver au réservoir croupissant du hard FM contemporain.

Top 10 des trucs de mes 20 ans que je ne pourrai plus faire aujourd'hui

2009-03-04T21:30:00.006+01:00

Sur When I grow up, Brian Wilson chantait : " Will I dig the same things that turn me on as a kid ? ". Maintenant que je ne suis plus kid ni même jeune, j'aime certes toujours les Beach Boys mais comme tant d'autres, j'ai du me résoudre à passer certaines pratiques par pertes et profits :
1. Se laisser pousser la moustache pour ressembler à Erroll Flynn (un fiasco permettant peut-être d'expliquer pas mal de râteaux subséquents).
2. Se mettre du gel dans les cheveux (aujourd'hui, ce serait plutôt de la mousse à raser).
3. Ecrire des lettres enflammées à de quasi inconnues (je sais bien que ma femme lit rarement ce que j'écris mais on ne sait jamais)
4. Affirmer haut et fort que plus personne ne parlerait de Depeche Mode dans 10 ans (que celui qui a toujours prédit juste me jette la première pierre ?
5. Faire une émission de radio qui s'appelle It's only rock'n'roll. Le goût des Stones post 1969 m'est, je crois, définitivement passé.
6. Aller voir Prince à Bercy (ou n'importe qui d'autre d'ailleurs dans des salles de cet acabit)
7. Préférer le jus d'orange au Ti'Punch (No comment !)
8. Voter communiste (j'avais en effet voté Pierre Juquin au premier tour des élections présidentielles de 1988)
9. Jouer au tennis plus de deux heures d'affilée (mon coeur n'y resisterait pas)
10. Regarder deux fois dans la même journée Les ailes du désir de Wim Wenders (je montre davantage de modération dans le masochisme désormais)

Le Top 10 des disques qui ont pourri leur époque

2009-02-22T19:25:00.011+01:00

J'avais dit qu'on ne m'y reprendrait plus mais j'ai eu le malheur de cliquer sur l'un des liens d' Eightdayzagame et depuis, je n'en décroche plus. Topito, c'est une bonne couche de régression sur fond d'humour potache mâtiné d'esprit Mad. Bref, une bénédiction. Qui m'a incité à faire mon petit top à moi. Un top pour faire une croix sur ceux qui m'ont abimé les esgourdes pendant tant d'années, le Top 10 des disques qui ont pourri leur époque.
Ces disques-là, vous n'auriez jamais dû les croiser mais voilà, comme vous n'êtes ni berger "décroissant" dans une yourte , ni moine convers, ni même naufragé volontaire, les ondes généreuses, des amis bien intentionnés et le designer sonore de votre coiffeur se sont chargés de vous rappeler que les nuisances du monde moderne ne sont pas qu'olfactives.
Et s'il y a, contrairement à ce que pense Clément Rosset, des artistes pour nous consoler de vivre (ceux dont on parle généralement dans ce blog), d'autres semblent au contraire s'être donnés le mot pour nous punir d'avoir posé le pied sur terre.
La liste est longue des fâcheux qui ont dévasté notre paysage sonore mais puisqu'il faut bien commencer :
1. Red Hot chili Pepper's : Mother's milk
Gonflette, tatouage et shorts de skaters, les nineties ont-elles vraiment été plus reluisantes que les eighties ? Crasseusement nul !
2. U2 : The Joshua tree
Lyrics prétentieux, guitares boursouflées, vocaux ampoulés. Bref, une abominable purge !
3. Oasis : (What's the story) Morning glory
Comment ces recycleurs de seconde zone ont-ils pu mystifier l'un des publics les plus avertis qui soit ? une égnime dont je cherche encore la clef.
4. Dire Straits : Brother in arms
Ce type (Mark Knopfler) a méthodiquement bousillé tous les projets dans lesquels il fut engagé (Dylan, De Ville, etc...) Mon pire souvenir de 1985 avec mes trois ratages de permis.
5. Billy paul : 360 degrees of Billy Paul
Si Marvin est assis à la droite du père, lui, il est au fond du couloir près des latrines.
6. Bjork : Homogenic
L'Annie Lennox des nineties. Conviviale comme une poignée de main de Poutine, sensuelle comme une douche glacée et plaisante comme un abcès dentaire
7. Benabar : Reprise des négociations
A ce niveau d'indigence, on ne peut même plus parler de carences vocales. A côté de lui, Souchon, c'est Caruso. Et puis ses textes sont aussi inventifs qu'une blague de Ruquier.
8. Green Day : Dookie.
Pendant qu'ils vendaient ce disque par containers entiers à une génération de crétins en short, John Cunningham s'apprêtait à sortir Bringing in the blue dans l'indifférence générale. Ce monde est injuste !
9. Yannick Noah : Mon Eldorado
L'ex-quart de finaliste de Flushing Meadow a longtemps hésité entre le coaching et la musique. Qui a dit qu'il aurait du choisir le coaching ?
10 Phil Collins : Hello I must be going !
Morrissey et lui font le même métier. Ouais, Danièle Thompson et Hitchcock aussi !

Et vous, les amis, quels sont les disques qui ont sciemment pollué votre environnement sonore ?

Feedback to the future

2009-02-04T20:00:00.005+01:00

Fini le crâne rasé et le chapeau mou ! On va enfin pouvoir se laisser pousser les cheveux en regardant nos Kickers. Le shoegazing renaît de ses cendres à New York sous le doux nom de The pains of being pure at heart. 2009 commence donc pas si mal même si c'est pas si 9. Un peu Pastels pour le look, un peu Field mice pour les textes, The POBPAH regarde aussi nettement dans la direction de Loveless (en moins sombre) et Ride (en plus carillonnant). Comment, si jeunes, peuvent-ils composer des trucs aussi emballants que Stay alive ou A Teenager in love ? Le secret ne s'était donc pas perdu!
Evidemment on trouvera plus novateur ailleurs mais plus immédiatement jouissif ? Pas sûr. Profitez-en avant qu'on nous les gâte à coup de tournées européennes, de clips prétentieux et d'inévitables querelles d'ego. Le disques est sorti hier. Il ne tiendra pas forcément la distance jusqu'aux bilans de fin d'année mais voilà, il m'a permis (momentanément) de décrocher de Nat et de Frank et c'est déjà beaucoup.
On ne traîne pas et on fonce ici.

Tomine et Clowes

2009-02-01T18:00:00.007+01:00

Je n'étais pas allé à Angoulême depuis 1998 en accompagnement d'une classe de sixième venue interviewer Zep, alors en pleine ascension dans le coeur des préados (j'y trouvais alors aussi mon compte, ne faisons pas la fine bouche). Et puis depuis plus rien. J'attendais l'occasion, l'immanquable. Et l'immanquable, c'était cette édition 2009 avec la venue de mes deux auteurs de comic books préférés, Adrian Tomine et Daniel Clowes. Grâce à l'entregent de Stéphane, précieux collaborateur à Radio Collège et vrai fan de BD, j'ai pu non seulement me faire dédicacer Short comings et un recueil d'Eightball mais en plus assister à leurs conférences de presse. Expérience passionnante qui nous permit d'apprécier l'humour pince sans-rire de Clowes (notamment lorsqu'il évoquat l'aisance de Scarlet Johansson sur le tournage de Ghost World) davantage que la timidité maladive de Tomine. On parla beaucoup de romans graphiques, nos deux auteurs regrettant la disparition programmée du petit format (à la manière d'Eightball ou d'Optic Nerve) et l'hégémonie manifeste du format long. Là aussi, l'esprit de sérieux semblant l'emporter sur le caractère futile, fantasque et jetable du comic book originel.
Un petit aperçu de cette journée avec la dédicace de Tomine et une photo des 3 auteurs américains sur le stand Buenaventura Press (Tomine et derrière lui, Chris Ware et Daniel Clowes).

On a good day

2009-01-25T08:08:00.004+01:00

On a good day, c'est à la fois une chouette chanson de Tim Keegan et un presque-nouveau blog (il soufflera dans deux mois sa première bougie) qui mérite tous les égards. Composé d'un pool de brillants passionnés, ce site propose à la fois une maquette soignée (chaque album examiné a droit à une illustration dessinée) et une qualité, une profondeur d'analyse qu'on trouve très rarement dans les sites francophones. Ces gens-là parlent des Undertones, de Ian Broudie, de The Millenium (en plus, et ce n'est évidemment pas un hasard, des artistes qui nous bottent) avec un sérieux (mais sans être docte), une rigueur (oui, on peut parler de musique pop avec la précision dont certains usent lorsqu'ils parlent de cinéma), une justesse qui font mal à la concurrence. Amateurs d'articles gonzos, passez votre chemin mais si vous avez envie de lire sur vos disques préférés des textes fouillés qui ne sonnent pas comme une pâle resucée d'all music guide, ce site est pour vous. Quand le numérique atteint un tel niveau, la presse écrite spécialisée a du souci à se faire !

When they were kings

2009-01-21T06:11:00.005+01:00

Frank eut beau écrire du rock'n'roll : "It is sung, played, and written for the most part by cretinous goons and by means of its almost imbecilic reiterations, and sly, lewd, in plain fact, dirty lyrics... It manages to be the martial music of every sideburned delinquent on the face of the earth... It is the most brutal, ugly, desperate, vicious form of expression it has been my misfortune to hear", il n'en invita pas moins le sergent Elvis Presley lors de son retour à la vie civile après 18 mois passés sur la base de Friedberg en Allemagne. Ne soyons pas dupes : Frank ne fut pas subitement converti aux mérites des "sideburns"même si j'aime à croire que The Voice ne resta pas toujours insensible aux prouesses vocales du king (ah, le moelleux de ce premier couplet de Witchcraft !). Il avait seulement besoin d'élargir son audience pour ce show tv parrainé par Timex. En 1960, les vannes éculées de Joey Bishop et les duos avec Nancy ne suffisaient plus, il fallait du neuf. 20 ans plus tôt, Frank provoquait auprès des Bobbysoxers les mêmes accès d'hystérie qu'Elvis ce soir là avec ses touchantes prises de karaté. Alors, passage de flambeau, conflit de générations, nostalgie amusée ou simple concours de quéquettes ? Je ne sais pas bien. Je jubile simplement de voir deux magnifiques (même si l'un est plus déplumé que l'autre) fauves qui s'ébrouent bien résolus à ne pas être le dindon de la farce.

Encore raté

2009-01-14T13:07:00.004+01:00

Je le sens bien, je suis en train de perdre la main. 42 ans s'approche et mes goûts ont une fâcheuse tendance à se scléroser. J'ai peine à décoller du Great American songbook. Voyant l'enthousiasme communicatif d'Erwan pour Bon Iver, j'avais décidé de laisser de côté mes Columbia years quelques heures pour me donner l'impression de vivre en 2009. Encore raté. Ma tentative. Pas le disque.
Les intros sont pas mal et sûrement même ce qu'il y a de mieux (For emma et Team notamment) mais le chant résume à lui tout seul ce qui me fait décrocher de la musique indé à l'heure actuelle. Comme chez d'autres , les moyens vocaux sont si ténus qu'ils rejaillissent sur les compositions. On a l'impression d'un gémissement perpétuel alors que la diversité des intros laissait espérer un univers plus riche. Je ne vois qu'une seule corde à son arc et le vocoder de Woods n'y change rien. Tant qu'il reste dans le médium, les dégâts sont limités mais dès qu'il passe en voix de fausset, le détimbrage occasionne des effets secondaires désastreux (justesse approximative sur babys, éraillement au refrain de Skinny love). Cela évidemment n'oblitère pas la validité du projet de Bon Iver et puis, après tout, la musique populaire ne saurait se limiter à un concours de beau chant mais voilà, depuis quelques temps, je ne parviens pas à me raisonner et je me laisse lentement dériver au fil du passé. Un disque va venir qui va me ramener sur la berge indé mais lequel et quand ?
Evidemment, passer la matinée à écouter cela ne fait rien pour arranger les choses

En Bref

2009-01-12T07:13:00.002+01:00

Comment ne pas se réjouir quand des collègues bloggers ont l'amabilité de me faire gracieusement un peu de réclame ! Merci à toi, Daniel. Tu verras d'ailleurs quand tu écouteras l'émission de ce soir que je me suis souvent inspiré de tes nombreux posts consacrés à l'oeuvre de Grant Mc Lennan. Sache que ton esprit rôdait dans le studio !
A mon tour de faire aussi un peu de promotion. Il s'agit de saluer le travail de Lionel Bernardin, un auteur-compositeur réalisateur poitevin que j'ai eu la chance de croiser lors des rencontres internationales Henri Langlois. C'est un type de grande classe, fan de soul mais qui sait aussi se mettre au service de charmantes jeunes chanteuses au format très acoustique.
A lire en haute définition (viméo) : http://www.vimeo.com/2636875
ou en basse définition : http://www.youtube.com/watch?v=alcuAZ2iv4Q

The holy trinity

2009-01-03T14:10:00.010+01:00

Quel beau mot que celui d'épiphanie, dans son acceptation profane de révélation, d'illumination comme dans son acceptation religieuse d'apparition du Christ aux Rois Mages. De révélations, d'illuminations, 2008 n'en fut guère prodigue même s'il ne s'agit pas forcément d'artistes estampillés 2008. J'ai perdu l'habitude de tout attendre des nouveautés et même d'en écouter beaucoup. Avec plus d'un siècle de musique populaire enregistrée, il me semble de plus en plus hasardeux de tout miser sur des disques parus l'année précédente. Ce qui explique qu' à mon habitude, j'ai musardé de décennies en décennies sans vrai port d'attache. J'ai tâché d'éviter les commémorations comme les disques trop commentés en privilégiant mes informateurs préférés (All music guide, Coolbeans et les bloggeurs en liens et la lecture des pages rééditions de Mojo). Si vous m'avez lu l'année dernière, vous connaissez déjà le gros de mes emballements. J'eus pu ajouter Anthony Hamilton (un Bobby Womack pour les enfants d'Obama), Raphaël Saadiq, Adamo, John Barry, Marie Laforêt early seventies, Coeur de pirate, Their hearts were full of spring, Barbara Lewis et tant d'autres.
Malgré toutes ces découvertes (ou redécouvertes), 2008 n'a fait que confirmé la révélation de mon début de quarantaine. A savoir la prééminence de la trinité Sinatra-Cole-Gaye dans le ciel de mes artistes adorés. Indépassables maîtres dont rien ne semble épuiser l'attrait. Si The voice tient la place du père, Nat occupe celle du Saint-Esprit et Marvin, celle du fils (avec à part égale les deux pré-cités comme géniteurs spirituels). Puissiez-vous connaître la même épiphanie en écoutant Nature boy (le classique mi-profane, mi-sacré d'Eden Ahbez), chanté par ces trois-là. Phrasé souverain (Frank), texture charnue (Nat), aigus célestes (Marv') sont au rendez-vous.

Season's greetings

2008-12-22T17:12:00.002+01:00

Sonic et ses filles souhaitent à leurs amis bloggers de bonnes fêtes et le meilleur pour 2009

searchin' for lost causes

2008-12-17T11:17:00.008+01:00

Peu de chance que Le chemin de la maison d’Emma Daumas n’atterrisse en tête des playlists de fin d’année. La main qu’on veut bien tendre à Coralie Clément et même à Mareva Galanter, on ne la donnera pas à Emma. Pour son passé, pour le pompage de No surprises sur Ailleurs et parce que sans doute aussi, elle n’a pas la carte. La carte de ceux qui à qui on pardonne tout car ils ont le bon pédigrée. Emma avec tous les crachats qu’elle a reçus (rebelle de Prisunic, pur produit marketing, j’en passe et des plus salés), elle pourrait ouvrir un sanatorium. Nous ne mangeons pas de ce pain là.. Mais nous ne dirons pas non plus que son troisième disque est un trésor caché. A peine un guilty pleasure. Ce qui fâche chez Emma, c’est à la fois cette affectation dès qu’elle peine dans les aigus (très sensible sur Elle) et ce phrasé hésitant comme si elle déchiffrait les paroles à même le studio. Bien sûr, les progrès sont sidérants depuis Effets secondaires : fini l’impossible choix entre la chèvre (couplet variét’) et le chou (refrain simili rock) des deux précédents opus (quoique Secret défense lorgnant sur De palmas n’est guère brillant), bienvenu aux arrangements coffee shop de Jolie Jeanne et du filet. Mais, le problème est qu’aucun titre ne se distingue suffisamment du lot pour plaire durablement. Excepté No matter if you don’t dream of me my love. Un petit bijou qui prouve que lorsqu’Emma abandonne l’idiome d’Elodie Frégé, elle n’est pas loin de piétiner les plate-bandes d’une Keren Ann. Allez, ma grande, encore un effort pour brûler tes vaisseaux et mon cœur te sera acquis.

P.S : Ne remarquez-vous pas une troublante ressemblance entre Emma et Sophie Barjac, la Sophie d’Anne, jour après jour et d’A nous, les petites anglaises, ressemblance qui n’est pas pour me déplaire !

Poitiers en décembre

2008-12-12T23:10:00.006+01:00

Poitiers en décembre, c’est aussi sexy qu’Issoudun sous la pluie. Mais à Poitiers en décembre, il y a un chouette festival, les Rencontres Henri Langlois consacrés aux films de fin d’études, principalement des courts-métrages. Et pas à Issoudun. Bon, je vous sens moyennement emballé par la perspective d’ inaugurer (ou presque) le nouveau complexe culturel de la préfecture de la Vienne (le T.A.P jaune) avec des films réalisés par des étudiants polonais ou des plasticiens argentins. Et pourtant, le jeu en valait diablement la chandelle. D’abord, parce qu’on y fait des tas de rencontres. J’ai eu l’insigne honneur de manger une tartine de rillette (oui, je sais, la rillette, c’est pas poitevin) en face de Cécilia Conan, la réalisatrice de Grand âge, petite vertu. Je n’ai malheureusement pu voir son travail mais si son talent est aussi fascinant que son regard (il a pratiquement fallu m’évacuer), je lui prédis une grande carrière. Ensuite parce que je fus estomaqué par la qualité des courts proposés. La sélection avait du être drastique pour ce festival car ce que j’en vis (une dizaine sur soixante) était loin, très loin des clichés qu’on peut colporter sur le court de fin d’étude (en gros, complaisant, misérabiliste et autocentré). Je retiens en priorité un joli film initiatique (dieu sait pourtant qu’à Collège au cinéma, ils m’en ont fait souper des films initiatiques) polonais (Mon frère), le très beau Espalhadas pelo ar, délicieusement régressif (la fréquentation d’adolescentes de son immeuble fait comprendre à une jeune femme combien son compagnon l’ennuie) et puis surtout un petit bijou sud-coréen de badinage douloureux (magnifique montage alterné, et sublime actrice au nom à absolument retenir Ji-eun Oh), Twins.

The kids are alright

2008-12-06T11:53:00.003+01:00

Vu et lu ce matin dans une copie d'une de mes élèves de troisième. En complément d'un devoir type paragraphe argumenté consacré aux manifestations de la puissance américaine, je demandai la définition de Brain drain. Voilà sa réponse :

Retour à l'ordre

2008-11-29T16:24:00.004+01:00

Le blog Musique de Yahoo.fr m’accable. Quoi de moins réjouissant que de s’entendre annoncer que Britney est « plus à l’aise avec elle-même, confiante et émancipée ». L’auditeur Saint-Médardais a peu à faire de la santé mentale de son idole. L’auditeur est un charognard qui se repaissait des avanies de l’ex teen queen. Plus elle sombrait, plus il bichait. Car cette agonie médiatique fut concomitante d’une des plus divines surprises de 2007 : Blackout, cette réussite inespérée, ce poing dans le bide aux tenants du bon goût, cette mise à nu déroutante et fascinante aux frontières de l’électroclash. Enlaidie, grossie, aux abois, elle triomphait dans nos cœurs. Elle cessait d’appartenir au mainstream pour devenir une créature hybride, une Frankenspears out of control. Mais hélas, Britney refit surface et reprit le contrôle de son image écornée par les grands méchants médias. Elle triompha dans diverses cérémonies d’opérette pour un single qui, quoique honorable ne pouvait rivaliser avec les audaces passées (Womanizer). Et puis Circus s’annonça, devant coïncider avec son vingt septième anniversaire. La pochette, désastreuse (mais celle de Blackout était à peine plus convaincante) augurait du pire : Britney en pin up sage, limite Dolly Parton jeune (en moins mamelue). L’intérieur est hélas à l’image de l’emballage. Finie les expérimentations tout azymuths , finie la cyber Britney. Revoilà les ballades sirupeuses (Qui a réellement envie d’entendre Britney s’extasier sur les gazouillis de ses nourrissons ?(My baby)), les provocations pour Aged home (Mmm… Papi) et des arrangements à faire passer le dernier album de Beyoncé pour du Björk. Britney se couche tôt, peut-être, mais ce n’est pas une raison pour nous distiller du Lexomyl. Plus de surprises, plus de gimmicks lubriques, juste une chanteuse populaire anonyme… Le titre Circus, promettait mieux. En fait de cirque, je ne vois qu’une écuyère ayant délaissé ses étalons fougueux pour des petits poneys inoffensifs. Un album de retour à l’ordre (Max Martin reprend-t-il le contrôle de sa créature ?) , pas le pandémonium espéré (sinon sur If you seek Amy (où, furtivement, Britney retrouve de sa salacité) et Kill the lights (Brit, back with her darkside)). Alors, évidemment la question risque de se reposer : Britney, personnalité inventive à l’avant-garde de la musique populaire ou Britney, pantin manipulé qui ne tient qu’au talent de ses producteurs ? Le mystère demeure entier et même si je penche toujours pour la première option et lui garde toute mon affection (et même plus), je sens que ses détracteurs vont se déchainer. Et cette fois-ci, mes munitions seront beaucoup plus réduites !

Surf's down

2008-11-19T19:55:00.005+01:00

Tout ce qui dort sous la poussière n'est pas d'or. Tout ce qui ressort du grenier n'a pas forcément vocation à reparaitre à la lumière. L'album de Dennis Wilson, Pacific Ocean Blue n'est pas, et ça me fait mal de l'écrire, un trésor caché. 30 ans se sont écoulés depuis la parution de P.O.B et l'impossibilité où nous étions de l'écouter nous faisait fantasmer sur ce que beaucoup considéraient comme le plus bel effort d'un beach boy en solo. Las, aussi inégal et bancal que soit Brian Wilson (1988), il tient encore crânement la corde. Je ne me lancerais pas pour autant dans une comparaison fastidieuse entre les deux frères. Je n'en ai pas le coeur et puis cela n'apporterait rien. Brian et Dennis s'aimaient comme des frères (pas au sens Davies ni Everly du terme) et ils ont si souvent été comparés par leur père, enfants, qu'on peut, je crois, leur foutre la paix aujourd'hui.
Que ce projet tint au coeur de Dennis, il y a peu de raisons d'en douter (en outre, la semi retraite de Brian lui laissait plein de temps libre) mais Dennis a du trop écouter ceux qui, à l'instar de Darryl Dragon, l'encensaient et il a fini par se croire le Wagner de la côte ouest. Choeurs Gospels, breaks pompiers, synthés déchaînés, l'album se brise par trop plein d'ambition (peut-être l'influence de Christine Mc Vie, compagne de clavier comme de comptoir). Ambition mais j'aurai plutôt dû écrire emphase. Dennis a peut-être senti qu'il n'y aurait sans doute pas de numéro 2, alors il n'a pas lésiné sur les frais de studio et les arrangements alambiqués. Certains titres sont tellement boursouflés qu'on n'a pas la force des écouter jusqu'au bout. Friday night et Dreamer avec leurs solos impossibles et leurs cuivres de faux Blues Brothers javellisés sont à fuir.
N'en déplaise à Thom (qui eut le grand mérite d'évoquer Pacific Ocean Blue pour les fans de MGMT), c'est lorsqu'il se rapproche de Beach Boys Love you que Dennis me séduit le plus. Sur River song, What's wrong et Moonshine, je retrouve ce que j'aime tant dans Love U, ce côté bric à brac, ce son plus intime, moins outré, Carl en soutien et ces harmonies qui font mouche.
Et puis il y a la voix de Dennis aussi peu orthodoxe soit-elle. Vibrante, touchante même si souvent à la limite de se rompre (mais ça, on le savait depuis Forever sur Sunflower). Parfois proche d'un grizzli asthmatique, Dennis à le mérite de ne pas chercher à retoucher ses défauts vocaux (souffle court, débit haché). C'est cette sincérité, ce refus de l'artifice qui au final empêche de rejeter l'ensemble. Dennis a tellement l'air ici de conjurer ses démons (pour l'essentiel, les mêmes que le frangin) qu'on n'est pas d'humeur à manier le sarcasme. A la fin du disque, sur End of the show, Dennis chante faussement enjoué "It's wonderful to know we're alive" mais la suite ("at the end, it's over") ne trompe personne.
Ailleurs (sur farewell my friend), il chante à mi-voix You'll take the high road, I'll take the low road. Tristement prémonitoire...
P.S : A lire également.

The last great french group ?

2008-11-12T11:09:00.005+01:00

Il y a trois ans lorsque ce blog en était à ses balbutiements, j'avais consacré un post enthousiaste au deuxième album de Santa Cruz, After supper parlant même de Grandaddy français. Depuis, ce blog a gagné quelques lecteurs (une dizaine de réguliers, j'espère), Grandaddy n'est plus hélas mais Santa Cruz enregistre encore. De biens beaux disques si l'écoute intégrale de A beautiful life est à la hauteur des 6 extraits mis à la disposition de tous sur leur My space. J'ai une dette envers ce groupe qui avait eu la gentillesse de m'écrire après la lecture de mon post alors qu'il me semblait que je m'époumonais au milieu du désert. Mais, au delà de la gratitude, je ne peux pas croire que des gens aussi éclairés qu' Erwan ou Coolbeans et aussi proche de l'univers de Santa Cruz demeurent insensibles au charme que distille ce large aperçu de l'album à venir (parution officielle : le 20 novembre). Il y a là à nouveau une tentative aboutie pour concilier spacy sadness et quirky songwriting. Ou si vous préferez Grandaddy et Elliott Smith. Et dans un américain impeccable qui a plus à voir avec Gary, Indiana qu'avec Cesson-Sévigné, Ille et Vilaine.

Who else today ?

2008-11-05T13:21:00.000+01:00

Mes amis ont du talent (III)

2008-11-03T17:49:00.010+01:00

Photo : Marijo Flahaut

J'avais pour principe (idiot comme beaucoup de principes) de ne jamais lire de littérature jeunesse. En gros, j'assimilais la lecture d'un ouvrage pour ados à des heures supplémentaires non payées. La publication en octobre d' A la poursuite de l'enfantôme m'a fait déroger à ce principe. Soyons honnêtes, je n'aurais sûrement pas ouvert ce livre s'il n'avait été signé Jean-Baptiste Evette. Jean-Baptiste, que j'ai eu la chance de connaître, d'avoir comme collègue et ami dans ma période fertoise fait partie de ces rencontres qui marquent durablement.
Dandy normand déroutant, guère porté à transiger, il construit une oeuvre passionnante qui, hélas, n'a pas l'audience qu'elle mériterait d'avoir. A rebours d'un nombrilisme qui a contaminé l'édition ces dernières années comme la myxomatose les terriers solognots (ce qui n'enlève rien à la réussite de nombreux ouvrages relevant de cette catégorie) , Jean-Baptiste Evette se plait à mêler passé et présent dans des épopées modernes qui ont le souffle large et l'intrigue subtile.
Édité par Gallimard jeunesse dans sa collection Hors-piste, A la poursuite de l'enfantôme n'est pas une parenthèse alimentaire dans son œuvre. Les obsessions de Jean-Baptiste n'ont pas été évacuées sous prétexte de s'adresser à un public à peine pubère. Plus simple certes lexicalement que ses autres romans (Hors-piste s'adresse à des enfants d'au moins douze ans), ce livre voit à nouveau l'Histoire (ici dans sa dominante tragique) ressurgir qu milieu d'un présent atone et fastidieux. Comme chez le grand voisin d'Illiers, il faut passer par une réappropriation méthodique du passé pour espérer vivre au présent sans trébucher. Char, l'adolescent rêveur n'aura d'autre solution que de fouiller parmi les décombres d'une ville autrefois bombardée pour délivrer sa sœur des spectres qui la hantent.
Dans une société qui cache ses morts pour ne pas avoir à les entendre, Jean-Baptiste rappelle la place qu'ils tiennent dans nos vies (bien que cette place soit souvent refoulée). Il y avait déjà de biens beaux spectres dans Les spadassins (son meilleur livre, je trouve) mais le fantôme qui vampirise la petite Jasmine est particulièrement réussi (" c'est une petite fille, une petite fille qui n'est pas comme les autres. Elle est toute seule. Parce qu'elle est morte").
Je ne maîtrise pas suffisamment la littérature et le cinéma fantastique pour distinguer tous les échos qui se font entendre dans ce livre mais parfois, j'ai pensé au Chat noir d'Edgar Poe et à d'autres moments, aux premières scènes d'Amytiville (lorsque Jazz devient ventriloque). Mais tout cela est assourdi et ne parasite jamais la petite voix de l'écrivain.
Destiné à un âge où jouer à se faire peur est de rigueur pour oublier ses vraies frayeurs, A la poursuite de l'enfantôme met des mots sur ces terreurs enfantines et offrent au lecteur attentif un moyen sûr de les conjurer. A vous de le découvrir même si vous avez allègrement franchi la trentaine. Il n'y a de toute manière jamais de problème de limite d'âge lorsqu'on mêle aussi habilement que Jean-Baptiste finesse d'écriture, tact de l'analyse psychologique et sens du récit.

Royal Fireworks

2008-11-02T14:51:00.008+01:00

ça y est, le Sénat a donné son aval à une loi scélérate qui va provisoirement (car, j'en suis persuadé, le téléchargement libre finira par l'emporter) mettre un frein au formidable développement des audioblogs. Il me faudrait l'assistance d'un comptable pour dénombrer tous les groupes auxquels les bloggers m'ont initié et que je n'aurai pas connu sans eux. Les bloggers avec leur insatiable curiosité ont pris le relais d'une presse rock défaillante (Rock'n'Folk, incapable de tourner la page Rolling Stones-Iggy-Stooges) ou moins concernée qu'avant (Les Inrockuptibles et la portion désormais congrue dévolue à l'actualité musicale). Avec eux, les rééditions les plus improbables, les groupes les plus marginaux retrouvaient voix au chapitre. L'appétit pour tout ce qui n'était pas mainstream trouvait de quoi se rassasier.
Ce que je lisais ce matin dans le blog de Next résume parfaitement cet état d'esprit. une communauté s'est créée qui ne peut pas, qui ne doit pas disparaître avec les ripostes de menace graduée. Cette communauté à ses défauts certes (un côté ghetto indé qui parfois m'agace) mais peu contesteront la place qu'elle joue aujourd'hui auprès des fans de musique. Et, même si l'âge aidant, la soif de nouveautés se fait moins pressante, je sais très bien que sans la Blogosphère, The Organ, Ephemera ou Sexton Blake me seraient restés inconnus. Prenons un exemple encore plus précis. sans l'invitation de Coolbeans en commentaire de sa chronique du Great Eastern, comment aurais-je pu flasher sur l'album solo d'Emma Pollock, Watch the Fireworks ?
A sa sortie en septembre 2007, le disque avait reçu un accueil poli, mais loin d'être délirant. Voilà pourtant un album qui, pour être ambitieux, n'en est pas pour autant hermétique, qui sait être onirique sans se noyer dans la brume et qui use d'atours pop sans faire de douteuse retape. Ajoutons, ce qui n'est pas rien, que c'est admirablement chanté sans cette auto-indulgence qui défigure les plus beaux projets. J'y ai retrouvé ce que je préfère chez Natalia Imbruglia, la franchise de l'émission vocale, la chaleur du timbre, mais sans les clins d'oeil appuyés aux radios FM américaines. Bref, un excellent disque , candidat rêvé pour un futur Unknown Pleasures.
Emma Pollock: Fortune

De la Beaujoire au stade des Grandes Noues

2008-10-30T21:44:00.000+01:00

Jukebox 1967

2008-10-30T21:17:00.003+01:00

Je n’ai vraiment goût ni pour Vincent Cassel ni pour Cécile de France mais leur rencontre dans Mesrine : l'instinct de mort actuellement sur les écrans se passe sous les meilleurs auspices. Dans un bouge désert, Jeanne Schneider cachée sous de larges lunettes de soleil allume sans vergogne Jacques Mesrine au son d’un jukebox qui joue I want to go back there again chanté par Chris Clark. Grâce soit rendue à Jean-François Richet (son film ne vaut d’ailleurs pas que pour cette séquence, la partie québécoise est aussi très réussie) d’avoir ressuscité cette vraie perle sixties, un des innombrables trésors enregistré sous sceau Motown.

En 1967, à 21 ans, Chris à déjà l’essentiel de sa micro carrière derrière elle. Encore deux ans et il n’y paraîtra plus. Berry Gordy préféra se la garder pour elle (il lui écrira d’ailleurs quelques titres) plutôt que de l’user dans les interminables tournées et revues dont les artistes Tamla étaient coutumiers. Et puis une artiste non afro-américaine, cela jurait sans doute au milieu des Velvelettes et autres Gladys Knight. Alors, il reste une poignée de non-hits rassemblés dans The Motown Anthology et le plaisir de l’entendre ici.

Bachelet avant Bachelet

2008-10-24T13:13:00.007+02:00

J'ai beau ne pas être un supporter de base des sangs et or, lorsqu'à la mort de Pierre Bachelet, le kop lensois s'est mis à entonner le refrain des Corons, je n'ai pu empêcher les poils de mes avants-bras de se redresser très perceptiblement. Le titre vaut ce qu'il vaut, un rien pompier, figeant le bassin houiller dans un chromo misérabiliste ("chaque verre de vin était un diamant rose posé sur fond de silicose", mouais), mais on ne peut nier sa valeur comme hymne, probablement l'un des meilleurs jamais entendus dans un stade de Ligue 1. Un peu leur "you'll never walk alone" à eux. Alors, après, réhabiliter le Bachelet chanteur-compositeur, celui de l'an 2001 ou de Pleure pas, Boulou, je n'en ai ni le courage, ni même l'envie. Et pourtant, malgré une fin de carrière problématique (son disque d'hommage au Grand Jacques est à peine meilleur que celui de Pagny, c'est dire), je conserve un fond de tendresse pour l'auteur de Marionettiste. Sans doute parce que sa première période créatrice (1974-1979), largement méconnue (en dehors des dingues de soundtrack collector) cumule les moment épatants. Diplômé d'une école de cinéma, Pierre Bachelet avait fait copain-copain avec toute une génération de réalisateurs qui firent leurs premières armes dans la publicité (Just Jaeckin, Patrice Leconte, Jean-Jacques Annaud) et qui devait s'imposer au début des années 80 (c'est moins probant pour le premier des trois). Bachelet ayant un peu tripoté de l'habillage sonore (pour DimDamDom notamment), il était tout naturel que ses potes lui confiassent le score de leurs premiers opus. Coup d'essai, coup de maître avec Emmanuelle de Just Jaeckin. Je ne m'appesantirai pas sur le film (n'ayant jamais eu le courage de le voir jusqu'au bout) mais force est de constater que le travail de Bachelet est loin, très loin d'être meprisable. Touches discrètes d'électronique, légèreté et chaleur du chant, mélancolie suave du texte, Bachelet a fait du bon boulot, raison pour laquelle Jaeckin le réutilisera pour Histoire d'O (tout aussi inspiré) et Gwendoline (moins convaincant). Parallèlement, le ch'ti travaillera pour la télévision (OK chicago et sa B.O brûlante de Blaxploitation (a redécouvrir absolument)), sur les deux premiers films d'Annaud (qui a oublié l'ineffable thème sifflé de Coup de tête ?) et bien sûr pour Leconte.
Il y a là tout un pan du patrimoine musical français (j'aurai tendance à y englober aussi la B.O de Bilitis (Francis Lai), Laura, les ombres de l'été de Juvet, le travail de Jarre avec Christophe) qu'il me tarde de voir réhabilité. Et si là se trouvait la vraie genèse musicale de la French touch ?
P.S : Si le prochain Unknown Pleasures est consacré au Between the Buttons des Rolling Stones, celui d'après sera l'occasion de juger sur pièces les B.O tant vantées ci-dessus.

La Beaujoire

2008-10-19T09:28:00.002+02:00

Les Aussudre ne font pas que jouer aux Enfants de la balle, ils vont aussi au stade. Pour la première fois de nos existences réciproques, nous foulions la pelouse d’un stade de ligue 1. Nantes- Saint-Étienne, c’était une belle affiche mais peut-être d’une autre époque. Ayons l’honnêteté de reconnaître que le spectacle ne fut que rarement à la hauteur de nos espérances. Contrôles hasardeux, passes à l’adversaire, faiblesse du bagage technique, on était loin de la Champions League. Alors, il restait le plaisir d’être à portée de voix du peuple vert (leur poignée de supporters fit dix fois plus de barouf que des Canaris aphones) et d’être au stade avec les gens qu’on aime.
P.S: Une pensée pour l'odieux ex-Nantais, le Royanais au maillot Manufrance et le Yachine d'Argenteuil.